ROADBURN FESTIVAL 2026, Tilburg. Día 4 (19/04/26)

Nuevamente expectantes para ver cómo la formación de Nueva York esta vez en el acotado “presente” hacía su tercera exposición. Esta vez mezclando algunos conceptos muy cañeros con cambios de ritmo evidentes al incorporar sintetizadores. Los esquemas técnicos y progresivos nos harían por momentos recordar a Blood Incantation. Inevitable, cuando dos años atrás también estuvieron en Roadburn ofreciendo distintas apuestas escénicas con cierta similitud en la finalidad de sus presentaciones. Sobre todo quedaba claro el choque de sonoridades, en donde tenía que encontrarse un público fiel que entendiera sin reparos las dos propuestas. Aquel que no comulgara con su corriente más progresiva y experimental, posiblemente no sentiría a la banda tan enérgica, pero sí lo estuvieron sí. Todo tiene su momento, y ellos son capaces de equilibrarlo con sabiduría.

Richard Bishop como buen guitarrista experimental tuvo su tiempo para el camino de la improvisación, explorando continuamente en formato acústico, y tirando de  técnicas no convencionales, así como de algunas sonoridades influenciadas por músicas que te transportaban por África y Oriente Medio. Es así como el músico estadounidense de alto bagaje discográfico se siente cómodo desde hace mucho tiempo. Se le recuerda también por su trabajo en Sun City Girls, unos años prolíficos con aquella banda con la que grabó de decenas de discos y desarrolló un estilo tan libre como experimental.

Curiosidad no me faltaba por ver cómo era el contraste de ver a  Gilles Demolder, guitarrista de Wiegedood y de Oathbreaker, actuando en formato de cantautor, mucho más relajado y de una manera completamente introspectiva. Acompañado por su banda, iba acercándonos a su espacio de sonido más cerca de la música folk americana que del black metal, cambiando guitarras eléctricas y acústicas, y acomodado sobre una silla. Fue un concierto preciosista para conocer la devoción por la música que siente el músico belga, al incorporar en su paleta de sonidos, los colores de otros mecanismos más pausados.

La propuesta de la banda es tan pesada y emocional como lo es en sus discos de estudio. Los riffs suenan avasalladores mientras la voz sostenida de su cantante te aprieta mucho emocionalmente. Algunos de sus temas te llevan a preguntarte por sentimientos existenciales, con cierta agonía, musicalmente cortados por los patrones doom y shoegaze, que permiten ver escenificaciones oscuras por parte de la banda sobre un escenario que queda a flor de piel.

La banda de Denver volvía por segundo días al escenario The Terminal, para dejar atónitos a los que allí estábamos, en esta ocasión en su trabajo “Observance”. Simplemente quedamos encantados con una nueva dosis de esa bola sónica que te pareciera hacer estar presente dentro de un escenario sónico apocalíptico. Lo bueno que tienen, es que a pesar de la pesadez de su directo, siempre queda por medio algún momento de respiro en los tempos para que puedas amortiguar las notas en los oídos y asimilar lo que está pasando antes de que llegue una nueva descarga intensa de tránsito duradero, que es donde ellos se manejaron bien, en la densidad, profundidad, y duración de cada tema tocado.

En este concierto dejaron brotar la sensualidad de su obra “The Cavern”, aquel tema lleno de espacios musicales para la imaginación, que grabaron e el años 2013 y que tiene una duración de 45 minutos. Así que aquí no la liaron parda, fueron menos metafísicos en relación con el doom, sludge psicodélico, grind, black metal y dejaron apartados buena parte de sus riffs poderosos. Pero fue una experiencia para disfrutar con la vista, también con los oídos, ya que aquí se incorpora mucho sonido de sintetizador, y tal como ocurrió en aquella grabación, sobre el escenario también estuvo para hacer sus partes vocales Dorthia Cottrel, quien además de formar parte de la banda Windhand tiene su propia carrera en solitario. El sonido del violín también estuvo representado en directo con toda la sensibilidad que requería el momento.

Era el “secret show” que se había anunciado en la zona del skypark. Tras este nombre se encontraba la china Lane Shi quien como Otay:Onii ya tuvimos ocasión de disfrutar y vibrar en el mainstage el día anterior. Pues aquí la cosa no perdía audacia ni fuerza, pero quedaba más reducida, pues las dimensiones del lugar mandaban. Y eso es algo que artísticamente la pone como loca, porque en realidad, en las distancias cortas, su locura escénica se trasforma de una manera más especial. Parte de la banda que le había acompañado en su concierto anterior, le acompañaba en este momento épico, del que no dudó llevarlo hasta el máximo roce,  hasta integrarse con su fiel público, que le adora por su particular forma de ser y de transmitir sus composiciones. Se comportó como un organismo vivo inquieta y en constante transformación siempre impulsado por su voz cautivadora lleno de ritmo polivalente.

Leo Ashline y el multiinstrumentista Shaun Ringsmuth son las dos piezas principales que encajan a la perfección en su lugar escénico. Parte de la instrumentación está enlatada, pero el resto de la banda consigue que la temperatura tome una forma que cuando tienen que hacer ruido lo hacen bien de verdad. Es parte de su tónica industrial, dentro del espacio experimental en el que se centran durante su show. Donde la euforia tiene un contante primer plano para esta banda de Austin, Texas, con más de una década de actividad, con toda esa vanguardia punk y noise a sus espaldas. Un disparate que quiero volver a disfrutar en otro momento, otro lugar.

El trío veterano de rock vanguardista formado por tres reconocidos nombres, Bill Orcutt (Harry Pussy), Steve Shelley (Sonic Youth) y Ethan Miller (Howlin Rain, Comets On Fire) pusieron un toque experimental de corte añejo, haciendo que tuviera una regresión a tiempos pasados, y conectarme con las carreras pasadas de algunos de ellos. Cada nota y cada movimiento se sentía como un regalo de algo que pareciera tener un aura de culto. Podrían haberse tirado un par de horas manejando sus instrumentos cual jam session, que los allí presenten no hubiéramos dejado de seguir sus devaneos instrumentales con la boca medio abierta. Un gran momento para recordar.

En este show los japoneses tiraron de su impulso más distorsionado con un planteamiento sonoro que abarcaba etapas pasadas y obras como “Feedbaker” y “Flood”. Siempre son llamativos sus espectáculos, y este no lo iba a ser menos, primero por su punto regresivo, y segundo por esos matices musicales que les hacen disfrutar y sentirse libres mientras tienen lugar. La imaginación que le ponen a su música hace que todo pase por un filtro que termina haciendo de sus cambios de ritmo algo bello, quizás complicado para quienes se enfrentan a ellos por primera vez, pero al mismo tiempo sencillo, gracias a las vibraciones sonoras que aparecen de forma inesperada. En cualquier caso, aquí son viejos conocidos y el público no parecía estar fuera de la onda que ellos provocan, consiguiendo un clímax idóneo con cada uno de sus contoneos, físicos e instrumentales.

Esta banda de Rotterdam, fue para mi el cierre del festival idóneo, y lo celebro de manera sorpresiva, en un lugar pequeñito como el Ladybird, la zona del skatehall, en donde los holandeses con gran destreza sonora, fueron machacando cada una de sus composiciones de post-black con sus atmósferas y melodías inquietantes que parecieran anunciar una especie de apocalipsis. Cada paso que daban desplegaban en una especie de in crescendo su cara más oscura, sabiendo que el lugar no era el más indicado para su apuesta escénica. Pero eso es lo que tiene de particular también este lugar, la posibilidad para una banda de poder  expresarse con tal caos organizado a pecho descubierto.

Texto y fotos: Raúl “Mister Virus” García