Entrevista
MARROWOMB: La devastación sonora de "Phisenomie" y su exploración del caos y la introspección
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Desde las profundidades del underground de Chicago, MARROWOMB ha irrumpido con fuerza en la escena del blackened death metal gracias a su implacable debut, Phisenomie. Concebido por Frank Lato, quien se encarga de las guitarras, bajo, voces y programación, y con la demoledora batería de Kevin Paradis (ex-Benighted), este álbum representa una exploración sonora donde brutalidad y sofisticación se fusionan en una obra densa, extrema y profundamente introspectiva.
A lo largo de esta entrevista, Frank Lato nos revela los orígenes del proyecto, el proceso de composición de Phisenomie, el concepto detrás de su sonido opresivo y la manera en que han logrado equilibrar agresión y experimentación. También conversamos sobre la participación de músicos invitados, la producción del disco y su recepción en la escena extrema. Phisenomie no es solo un álbum, es un viaje a través del caos y la catarsis, y en sus propias palabras, nos cuentan qué hay detrás de su universo sonoro.
Cada canción se sumerge en diferentes “máscaras” que podemos adoptar en cualquier momento, ya sea una máscara de vanidad, una máscara de narcisismo, una máscara de desesperación, una máscara de odio, etc.
Hola Frank. Antes que nada, gracias por atender a TNT Radio y compartir tu tiempo con nosotros. Primero que nada, me gustaría saber qué sensaciones tienes sobre el lanzamiento de “Phisenomie” en unas semanas, especialmente después de haber compartido dos sencillos del álbum.
Hola Brujo, gracias por invitarme y gracias por interesarte en mi proyecto. En una palabra... estoy aliviado. Ha sido un proceso largo y arduo, y hubo un punto en el que estaba tan desmotivado que pensé que ni siquiera terminaría el álbum. Pero seguí adelante y me alegro de haberlo hecho porque estoy feliz con el producto final.
Sin embargo, junto con esta sensación de alivio, siento una sensación de logro y emoción, ya que significa mucho para mí sacarlo al mundo. El acto de creación es importante para mí, así que ese proceso por sí solo valió la pena.
Sin embargo, junto con esta sensación de alivio, siento una sensación de logro y emoción, ya que significa mucho para mí sacarlo al mundo. El acto de creación es importante para mí, así que ese proceso por sí solo valió la pena.
MARROWOMB surgió en 2020. ¿Qué te motivó a formar este nuevo proyecto? ¿Sentías que había algo más que necesitabas explorar musicalmente que no podías hacer en tus otras bandas?
¡Es curioso que digas eso porque esa es exactamente la razón! Me sentía limitado cada vez que estaba en bandas con otras personas. No digo que no fueran divertidas o buenas experiencias, sin duda lo fueron, pero era extremadamente difícil plasmar mi visión específica en proyectos colaborativos. Sabía que necesitaba encontrar una manera de hacer algo que fuera realmente mío. Con Marrowomb, me encantó poder ir al ritmo que yo mismo establecía y realmente disfruté tomando todas las decisiones creativas y artísticas yo mismo. Si bien tomarse 5 años no es necesariamente algo fuera de lo normal para las bandas escribir un álbum, comenzó a pasarme factura cerca del final. Me estaba cansando mucho y frustrando mucho, pero todo ese tiempo realmente valió la pena porque pude presentar el álbum de la manera que imaginé hace 5 años. Si no me hubiera tomado el tiempo que me tomé para prepararlo y construirlo, no habría cumplido con mis propios estándares ni habría tenido el efecto que podría (con suerte) tener cuando otras personas lo escuchen.
Desde el principio, MARROWOMB se ha presentado como una entidad musical sin restricciones y con un enfoque completamente implacable. ¿Cómo definirías la esencia del proyecto en comparación con otras bandas dentro del blackened death metal?
Intento no comparar demasiado porque me gusta que la gente se forme sus propias opiniones y también me gusta formar mis propias opiniones sobre lo que quiero hacer artísticamente. Dicho esto, diría que lo que me diferencia de otras bandas de un estilo similar es que sigue siendo impredecible y fusiona muchos sonidos/géneros. Creo que mucho de esto se debe a mi estilo vocal. Me opuse a utilizar un estilo de una sola nota para cada canción, así que adapté mi interpretación a lo que cada canción requería. Si bien puede sonar incongruente en el papel, creo que resultó bien porque la canción termina con su propia identidad y su propia interpretación especial, sin dejar de sonar como parte de un todo cohesivo. No creo que haya ninguna canción que no pertenezca a este álbum. También es importante para mí hacer álbumes que funcionen como un todo. Aunque no se trata de una historia conceptual en sí, el álbum está pensado para ser disfrutado como una experiencia completa.
El metal extremo en Chicago tiene una rica historia, con una escena underground bastante sólida. ¿Cómo ha influido este entorno en el sonido y la filosofía de MARROWOMB?
En realidad, la mayor parte de mi inspiración/influencia proviene de música que no tiene su base en Estados Unidos, así que no estoy seguro de que la escena de Chicago haya moldeado directamente mi sonido, al menos desde un punto de vista musical. Sin embargo, ir a muchos conciertos aquí, conocer gente de la escena, tocar en bandas locales, etc. es lo que me preparó con la confianza para hacer mi propio proyecto. Ver a otras personas hacer un trabajo creativo y tocarlo en vivo, sin importar su nivel de destreza musical, sigue siendo genial y puede ser inspirador. Musicalmente, sin embargo, tiendo a hacer lo que quiero y lo que siento sin la intención de tratar de encajar en una escena.
“Phisenomie” es un álbum que has estado desarrollando casi desde el principio del proyecto. ¿Cómo evolucionó la visión del álbum con el tiempo? ¿Hubo momentos en los que el concepto cambió drásticamente o siempre tuviste claro el sonido y la dirección del disco?
Tienes razón, este proyecto comenzó con la creación de este álbum. Curiosamente, no creo que la visión haya cambiado con el tiempo tanto como mi enfoque de la producción. Así que, hablando más claramente, el sonido y la dirección siempre estuvieron claros, pero fue el “cómo” llegar allí lo que cambió con el tiempo. Pasé por una cantidad significativa de regrabaciones y remezclas simplemente porque no estaba contento con cómo sonaba. La música estaba ahí, las letras eran lo que quería, pero me encontré con tantos problemas que me hicieron cuestionar la producción. Pero finalmente alcancé un paso adelante en 2024 donde pude llegar a un punto en el que sentí que la producción resaltaba la fuerza del material.
En un nivel conceptual, el álbum parece sumergirse en temas de conflicto interno y lucha psicológica. ¿Cuál es el mensaje central de “Phisenomie”?
En gran medida, ese, pero para ampliar un poco, cada canción se sumerge en diferentes “máscaras” que podemos adoptar en cualquier momento, ya sea una máscara de vanidad, una máscara de narcisismo, una máscara de desesperación, una máscara de odio, etc. Dejaré que el oyente descubra todos estos ángulos y los interprete como mejor le parezca, pero esa es la esencia del concepto. Por supuesto, existen consecuencias que podemos experimentar por adoptar personajes que no son fieles a uno mismo y también las exploro en el álbum.
¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Trabajaste completamente solo en las estructuras y luego trajiste a Kevin Paradis a la batería, o hubo una colaboración más orgánica en el desarrollo de las canciones?
Básicamente hice todo desde el punto de vista de la composición. Incluso programé la batería antes de enviársela a Kevin. Elegí a Kevin como mi batería después de que ya había construido las partes de batería también. La visión es completamente mía y Kevin no fue parte de ella porque lo descubrí mucho después, a través de un amigo cuando comencé a buscar bateristas. Sin embargo, lo que Kevin pudo hacer con esas canciones preescritas fue simplemente increíble. Tomó mis partes programadas con sonido mecánico y les insufló una vida que yo no podría haber imaginado.
Kevin Paradis es un baterista increíblemente preciso, y su trabajo con Benighted lo ha consolidado como una referencia dentro del death metal. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él? ¿Tuvo libertad creativa en sus partes, o se dirigió hacia un sonido específico?
Le di las pistas que hice y le dije que siguiera las ideas generales pero que las hiciera sonar más “humanas”. Le di la libertad de implementar su estilo y tomar algunas decisiones creativas si sentía que podría ayudar a una canción. Muchas veces, cuando hizo una sugerencia o cambio, terminé manteniéndolo. El enfoque de Kevin fue exactamente lo que quería de un baterista para este proyecto y no podría estar más feliz con lo que hizo. Mantuvo mi estilo creativo mientras agregaba ese elemento humano que el álbum realmente necesitaba.
La canción de apertura, “Phantasia Kataleptike”, marca el tono del álbum con un sonido implacable y una estructura compleja. ¿Por qué elegiste esta canción para abrir el álbum? ¿Refleja de alguna manera la esencia general de “Phisenomie”?
En realidad, fue la primera canción que escribí y, después de terminar el álbum, me pareció que era simplemente una canción de apertura. Definitivamente, es una de las canciones más pegadizas del álbum y tiene una estructura relativamente sencilla que creo que es memorable. Me encanta cuando los álbumes tienen una canción de apertura que es especial y memorable porque, en muchos casos, marca el tono para el resto del álbum y, en mi opinión, debería ser un adelanto de lo que vendrá después. “Phantasia Kataleptike” tiene una velocidad y una variedad que pensé que tenía sentido como canción de apertura, y definitivamente hace que uno se abroche el cinturón de seguridad en preparación para lo que sigue.
El sonido de MARROWOMB es muy crudo, pero a la vez minucioso en cada detalle. En el disco encontramos elementos de black, death metal e incluso partes progresivas y experimentales que, por momentos, crean una atmósfera caótica. Es algo que ya notamos en “Phantasia Kataleptike” pero, por ejemplo, en “Inner Ring” esa vena experimental está mucho más presente, ¿no? ¿Cómo logras ese equilibrio entre agresividad y ambientación sin perder la esencia extrema?
Gracias por notarlo. Me alegro de que lo hayas hecho porque ese es exactamente el efecto que quería que tuviera el álbum. Necesitaba que el álbum fuera lo suficientemente claro para escuchar las partes, pero no quería que estuviera tan pulido hasta el punto de que sonara estéril y poco interesante. Además, es una buena pregunta y, de nuevo, me alegro de que estés captando estos matices porque estas elecciones mías fueron deliberadas. Yo diría que a gran escala, mantengo ese tipo de equilibrio y ambientación simplemente por la variedad de música que escucho. No escucho solo metal. Me encanta el rock progresivo, la música electrónica, el ambient, el synth, el experimental, el jazz... lo que sea. Creo que, como resultado, me aburro fácilmente y nunca quiero que mi música resulte aburrida como resultado. Por eso, siempre que puedo implementar un cambio impredecible o una variedad de algún tipo, trato de hacerlo mientras sienta que funciona. Pero como quiero mantener un sentido de extremidad como dijiste, trato de asegurarme de hacerlo de una manera intensa. Es por eso que incluso las secciones "más lentas" de mi álbum pueden sonar siniestras: a menudo superpongo texturas, armonías/disonancias que pueden sonar tan intensas como una explosión rápida. La intensidad no está dictada por la velocidad. También encuentro que la dinámica y los contrastes entre lo oscuro/claro, lo pesado/suave, lo bonito/feo, lo tonal/disonante, etc. es lo que hace que las cosas suenen más caóticas porque siempre cambian y son impredecibles.
“Black Gossamer” parece tener un enfoque más frenético, casi como una explosión de energía pura, y tiene un solo de guitarra de Curtis Vamarasi. ¿Cómo surgió la colaboración y qué aporta este solo a la canción?
Curtis es un buen amigo mío. Tenemos gustos musicales muy similares, pero ambos tenemos formas completamente diferentes de abordar la música. Pero esa es exactamente la razón por la que quería que hiciera un solo en el disco, porque sabía que sería impredecible. Curtis tiene una sólida formación en improvisación, así que, créalo o no, ¡este solo es improvisado Y tiene doble pista! Curtis tardó quizás una hora en hacerlo, y una vez que descubrió las notas, las grabó una segunda vez de oído. Curtis es realmente talentoso y creo que el estilo del solo complementa la naturaleza frenética de la estructura compositiva y los temas de la canción.
“Despairloom”, con sus casi 12 minutos de duración, es una composición de gran impacto en el álbum. Comienza con un tono melódico, pero pronto se deja llevar por la oscuridad y la desesperación, además de ese efecto casi distorsionado de la voz. ¿Cómo diseñaste su estructura y qué importancia tiene dentro de la narrativa del álbum?
Esta canción fue a la vez divertida y terrible de escribir. Divertida en el sentido de que me encanta cómo quedó, pero terrible en el sentido de que me llevó una eternidad descubrir cómo construir todos los riffs que tenía para ella. Sabía que quería terminar el álbum con una canción más larga y completa, así que solo era cuestión de descubrir cómo hacerlo sin dejar de mantener la canción interesante. La melodía inicial (que también regresa en una forma similar al final) en realidad tiene unos 15 años, pero nunca supe qué hacer con ella. Entonces, comencé por ahí y por el final, y luego tuve que completar el medio, lo que finalmente hice con el tiempo. Probablemente, esta canción es la más importante de todas las del álbum porque es la culminación de las canciones anteriores, tanto en lo sonoro como en lo lírico. En lo sonoro, tiene elementos que hemos escuchado en todas partes: partes rápidas, partes lentas, partes de sintetizador, voces superpuestas, cambios de tempo abruptos, etc. En lo lírico, toca el tema de cómo estamos predispuestos de alguna manera a transmitir estas "máscaras" y rasgos negativos a quienes vienen después de nosotros, porque modelamos con el ejemplo y las generaciones más jóvenes lo absorben. Sin embargo, el final sugiere la pizca de esperanza de que, a través de un período de muerte y renacimiento, podamos esencialmente comenzar de nuevo sin la ayuda de tales "máscaras".
La producción del álbum es impecable: cada instrumento se escucha con claridad, pero sin perder la sensación opresiva del sonido. ¿Cómo fue el proceso de producción y qué desafíos enfrentaste en términos de mezcla y masterización?
¡Me alegra que pienses eso! Al final lo logré y me gustó, pero comenzó bastante mal y requirió muchas regrabaciones y remezclas antes de que estuviera satisfecho. En realidad, hice la mayor parte de la producción yo mismo en mi estudio casero (voz, guitarras, bajo, sintetizadores). Kevin grabó su batería en su estudio casero y los solos de guitarra se grabaron en un estudio local. Estaba decidido a grabarlo y mezclarlo yo mismo, por eso pasó por tantas iteraciones, pero una vez que tuve confianza, se lo pasé a V.Santura (propietario de Woodshed Studio, guitarrista de Triptykon, ex Dark Fortress) para la masterización, con quien he trabajado varias veces antes. Una vez que escuché su masterización, supe que el álbum estaba terminado. Pensé muchas veces en bajar mis estándares…pero sabía que eso no estaría bien, jaja.
“Phisenomie” ha recibido críticas muy positivas, y muchos destacan su capacidad para combinar brutalidad y sofisticación. ¿Cómo ha sido la respuesta del público y de los críticos hasta ahora?
Por lo que he visto, estoy de acuerdo en que ha sido positiva, como has dicho, y la gente parece estar muy impresionada con el trabajo y el alcance. Creo que veremos más respuestas una vez que el álbum esté completamente publicado, y espero que la gente saque algo provecho de él. No me preocupa demasiado si la respuesta será positiva o negativa: este álbum era simplemente algo que necesitaba hacer, y simplemente terminarlo y publicarlo es un logro suficiente para mí. Entonces, si tiene un efecto en alguien, ya sea positivo o negativo, el disco ha hecho su trabajo. El verdadero arte evoca reacciones, sin importar cuál sea esa reacción.
En un panorama en el que muchas bandas buscan destacarse dentro del blackened death metal, ¿cómo crees que MARROWOMB logra diferenciarse?
El hecho de que me haya acercado a este álbum a través de mi propia voz es lo que creo que lo hará destacar. Cuando miro el paquete completo y escucho las canciones, siento que soy “yo” y no otra banda que estoy escuchando. Hay muchos discos que suenan como copias de otras bandas o que suenan derivados de ciertos géneros, pero para mí, el mío suena como yo. Si ya te has dado cuenta de eso, creo que es una buena señal de que otros también lo notarán.
Con un debut tan sólido, es inevitable preguntarse: ¿qué es lo próximo para MARROWOMB? ¿Ya tienes ideas para un segundo álbum o algún material en proceso?
En el futuro inmediato, solo quiero ver cómo va el primer lanzamiento. Me encantaría formar una banda en vivo y también tocar uno o dos shows y ver qué se siente. Diseñé Marrowomb con un show en vivo en mente, y siento que estas canciones tienen una intensidad en vivo. En cuanto a un segundo álbum, ciertamente no me opongo, y probablemente lo haré en algún momento, pero no tengo ningún material listo en este momento. Este primer álbum consumió mucho de mi tiempo y energía, así que no puedo decir cuándo podría comenzar a escribir de nuevo.
Para aquellos que aún no han escuchado “Phisenomie”, ¿cómo describirías la experiencia de sumergirte en este álbum por primera vez?
Un viaje controlado, pero desorientador e impredecible. Es implacable, dinámico y lleno de emociones conflictivas.
Por último, ¿algún mensaje para los fans de MARROWOMB y para aquellos que aún no han descubierto la banda?
Gracias a todos los que eligen apoyar este proyecto. ¡Significa mucho para mí ver que el trabajo duro da sus frutos y que la gente se conecta con la música!
Publicado el 7 de febrero, 2025
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