SOGNEFJORD ORANGE FEST: una odisea sonora desde los Fiordos a Valencia

Desde Alemania, Ferndal se presenta como una de las propuestas más singulares del cartel. No nacieron en Sogn og Fjordane, pero su música emana un tipo de melancolía que encaja con naturalidad en el imaginario del festival. La banda, activa desde mediados de la década pasada, ha construido una identidad híbrida entre el black metal melódico y un sustrato de formación clásica que atraviesa toda su obra.

Según relatan en una entrevista para TNT Radio Rock, la génesis de Ferndal está profundamente marcada por la experiencia estética personal: viajes por Escandinavia, una relación intensa con el paisaje y la herencia cultural europea, y sobre todo, una convicción artística de que la música debía reflejar lo interno, no perseguir etiquetas. “Nunca fue nuestra meta tocar sognametal”, afirma Lestaya (cello). “Nuestra meta era componer e interpretar la música que nos gusta, la que nos expresa.”

Ese deseo de autenticidad se traduce en una música densa, emotiva y rica en matices. La banda se forjó con una base común entre el metal extremo y la música académica. Esa doble raíz permite que Ferndal explore estructuras armónicas complejas sin perder el filo emocional del black metal. Desde su debut homónimo hasta su ambicioso segundo disco, Singularitäten (2019), han ido tejiendo un discurso cada vez más personal, donde se entrelazan la furia, la épica, y un lirismo introspectivo que los acerca —sin imitarlos— a nombres como Windir.

Curiosamente, aunque las comparaciones con el sognametal les han acompañado desde sus inicios, la banda nunca ha buscado ese paralelismo. “Compuse lo que me gustaba”, dice Lestaya, “y cada vez con más frecuencia, nos comparaban con bandas noruegas. No me molesta, pero tampoco creo que estemos copiando nada.” Lo que hay en Ferndal es una afinidad espiritual con el género, más que una intención estética. Un ejemplo es su relación con la música de Windir: profunda, pero interiorizada.

Además de la herencia escandinava, en Ferndal laten influencias húngaras —por la formación de Lestaya en Budapest— y una conexión inevitable con la tradición musical alemana. “Uno crece con la música de un país, y esta está íntimamente ligada a la historia cultural. Es casi imposible escapar por completo de esa influencia.”

Respecto a su actualidad, Ferndal llega al festival con nuevo material ya grabado. Será en el escenario del Sognefjord Orange Fest donde se escuche por primera vez parte de su próximo álbum, lo que convierte su actuación en un punto de inflexión. Además, adelantan que incluirán una versión especial de Windir “que todos los fans del sognametal sin duda estarán esperando con ansias.”

Y aunque el black metal atmosférico pueda parecer más apto para auditorios que para festivales, ellos insisten en que lo importante es la coherencia del entorno. “Sobre todo cuando el cartel sigue un concepto estilístico coherente, es una gran oportunidad para conocer gente con gustos similares y presentar nuestra música.”

En un festival que honra el legado emocional de una escena tan singular como la noruega, su propuesta encuentra resonancia sin necesidad de pertenencia. Como dice Azares, “si escuchas a Ferndal, se te pegará al menos una canción —y lo más probable es que sean más— de esas que se te quedan grabadas en la cabeza.”

Foscor no es una banda de sognametal en el sentido estricto, pero pocos proyectos reflejan con tanta nitidez los valores estéticos, emocionales y filosóficos que definen al género nacido en Sogndal. Su participación en el Sognefjord Orange Fest no es una anécdota: es una elección con peso, cargada de simbolismo. Coincidiendo con el 25 aniversario de su demo inicial, Foscor se presenta en Valencia con un set basado en sus tres primeros álbumes. Una mirada al pasado… que también explica su presente.

Fiar, vocalista y fundador, lo explica con honestidad en nuestra reciente entrevista: “No se pretende en ningún caso dar continuidad a esa etapa… pero si no le queda mucho a la banda antes de desvanecerse, tiene sentido recordar de dónde venimos.”

Formados en 1997, en una escena catalana muy distinta a la actual, Foscor representó desde el inicio una voluntad de introspección. “La música me ha permitido crecer y hacer de mí quien soy hoy en día”, recuerda Fiar. Esa perspectiva vitalista pero sombría se convirtió pronto en una seña de identidad, que se manifestaba en letras filosóficas, paisajes sonoros melancólicos y un uso simbólico de la lengua catalana.

Su primer álbum, Entrance to the Shadows’ Village (2004), fue una obra profundamente influenciada por el black metal noruego de los 90, pero con una sensibilidad lírica y armónica particular. Riffs melódicos, teclados con carácter narrativo y un enfoque emocional que recuerda, por momentos, a Windir. “Nunca hemos necesitado vestir de agresividad nuestra música… lo que nos movía era la atmósfera y la dinámica.”

Con The Smile of the Sad Ones (2007) y Groans to the Guilty (2009), Foscor abrió su sonido a estructuras más complejas y texturas cercanas al avant-garde, manteniendo siempre un núcleo emocional profundo. La salida de Norax y la entrada de Fiar como vocalista principal marcó una nueva etapa de madurez. “Necesitábamos avanzar, crecer como lo había hecho la música que nos llenaba.”

A nivel lírico, Foscor nunca ha buscado la provocación ni el ocultismo. Su mundo conceptual se alimenta de la estética modernista catalana, de la filosofía y del existencialismo: “En la oscuridad reside la magia de una belleza distinta a la que nuestros ojos están acostumbrados a ver.” Esta visión se refleja también en el uso del catalán, lengua que se convierte en canal de expresión íntima y natural: “Expresarte tal como piensas y sientes fue sin duda la mejor de las opciones.”

La ruptura llegó con Those Horrors Wither (2014), que modificó tanto el sonido como la imagen visual del grupo. Nuevo logo, nueva afinación, nuevo enfoque. Pero no fue un corte artificial: fue el siguiente paso lógico. “Necesitábamos un nuevo paisaje creativo.” Aquel disco preparó el terreno para una nueva trilogía iniciada con Les Irreals Visions (2017) y que aún espera su cierre. Según Fiar, ese es el gran objetivo tras esta gira conmemorativa: “Cerrar la trilogía y mirar hacia delante… más allá, no quiero mirar.”

En Valencia, Foscor no solo celebrará 25 años de trayectoria. También ofrecerá uno de los últimos conciertos centrados en su etapa old-school. Con su logo original como guiño nostálgico y un setlist centrado en aquellos tres primeros discos, será una oportunidad irrepetible para presenciar una parte esencial de su legado. Puede que incluso caiga una versión de Windir, aunque esto aún está por confirmar: “Es la intención, pero no está cerrado.”

Foscor aporta al Sognefjord Orange Fest una dimensión emocional distinta, un tipo de oscuridad que no es solo sonora, sino poética. Un puente entre la introspección catalana y la épica nórdica. Un acto de honestidad artística que, incluso sin pretenderlo, encapsula muchos de los valores que hacen del sognametal un género con alma propia.

De todas las bandas que conforman el cartel del Sognefjord Orange Fest, Mistur es la que más literalmente encarna el espíritu del festival. Formados en Kaupanger, en el corazón de Sogn og Fjordane, Mistur representa la continuidad directa del legado de Windir, tanto por contexto geográfico como por conexiones personales y musicales. Su presencia en Valencia es, más que una actuación, una forma de cerrar un círculo espiritual.

Fundada en 2003 por Espen Bakketeig (ex-Windir, teclista en Vreid) y el guitarrista Rene Misje, Mistur surge como respuesta a la necesidad de canalizar una visión musical que combinase la brutalidad del black metal con una narrativa melódica y épica profundamente conectada al paisaje noruego. En nuestra entrevista, Espen remarca: “Queríamos continuar ese estilo épico y melódico que había caracterizado a Windir, pero desde nuestra propia voz.”

Su primer álbum, Attende (2009), fue recibido como una obra de culto que ampliaba el lenguaje del sognametal con una instrumentación más expansiva y una narrativa aún más marcada. Las letras, en noruego, exploraban mitología, historia local y una dimensión casi cinematográfica del black metal. En In Memoriam (2016), sin embargo, Mistur dio un paso más allá: adoptó el inglés como lengua principal y desarrolló un enfoque más introspectivo, aunque sin abandonar su esencia. Como explica la banda: “La belleza brutal de nuestra naturaleza se refleja en nuestra música. Pero también hay espacio para lo íntimo y lo humano.”

La banda ha estado relativamente inactiva durante los últimos años, con algunos cambios de formación, pero el espíritu sigue intacto. Para Tomas Myklebust, el regreso a los escenarios en el Sognefjord Orange Fest representa “una nueva etapa, y una forma de recuperar el contacto con un público que nunca olvidó lo que representa Mistur.”

Musicalmente, Mistur se distingue por su habilidad para equilibrar elementos extremos con una base melódica sólida. Las guitarras están cuidadosamente armonizadas, los teclados no son mero acompañamiento, sino núcleo narrativo, y las estructuras rítmicas aportan un dinamismo que evita caer en la fórmula. Espen, además, remarca que su formación clásica influye notablemente en la forma en que construyen las canciones: “Hay una lógica interna, como si fueran movimientos dentro de una pieza más grande.”

En cuanto a su participación en el festival, Mistur promete un concierto especial, centrado en sus dos álbumes, con un repaso integral a los temas más representativos de su trayectoria. Si bien no confirman material nuevo, insinúan que la energía de este reencuentro podría “activar el motor compositivo otra vez.” También reconocen que tocar fuera de Noruega después de tanto tiempo —y en un festival centrado en un estilo tan propio— es una experiencia que los llena de orgullo.

Finalmente, cuando se les pregunta por el valor del Sognefjord Orange Fest, son claros: “No hay otro festival como este. Es casi surrealista ver que nuestra música ha generado algo tan específico, tan lejos de casa. Pero ahí está la prueba de que el lenguaje emocional del sognametal es universal.”

De todos los herederos del legado Windir, Cor Scorpii es probablemente el más directo y a la vez el más introspectivo. Formados en 2004 tras la disolución de Windir y liderados por Gaute Refsnes (teclista original de Windir), Cor Scorpii nació como un vehículo emocional, un medio de canalizar la pérdida, la melancolía y la identidad musical de una escena única. Pero con el paso del tiempo, la banda ha evolucionado hacia una voz propia, sobria y profunda, sin renunciar nunca a la raíz.

Thomas Øvstedal, su vocalista, lo explica con claridad: “Somos mucho más que una continuación. Pero si tenemos que definirnos en una sola palabra, por este evento, digamos que somos Sognametal.” Su honestidad a la hora de abordar el legado de Windir, sin explotarlo ni negarlo, ha hecho de Cor Scorpii una de las propuestas más respetadas dentro del black metal melódico contemporáneo.

Su primer disco, Monument (2008), es considerado ya un clásico moderno. Compuesto con paciencia y un enfoque claramente estructurado, el álbum fusiona influencias clásicas con un sentido épico del black metal. Desde los arreglos de teclado hasta las líneas vocales desgarradas, todo en Monument respira emoción contenida. En palabras de Thomas: “La melancolía y la tristeza, con un toque de ira y rabia, son prácticamente la base de lo que hacemos.”

Su segundo trabajo, Ruin (2018), supuso un paso más introspectivo. Con una producción más refinada y composiciones más complejas, el álbum refleja una madurez emocional y artística que consolidó a Cor Scorpii como un proyecto que no se deja arrastrar por las modas ni los algoritmos. “No encajamos del todo en la escena actual —reconoce Thomas— pero seguimos haciendo lo nuestro, y eso es lo más importante.”

El enfoque lírico de Cor Scorpii es tan introspectivo como su música. Thomas escribe desde la emoción, ya sea desde la experiencia personal o desde la ficción evocadora: “Intento decir algo específico, pero de manera universal, para que cada oyente llene la historia con sus propios pensamientos.” Esta apertura emocional, unida a la complejidad estructural de sus composiciones, convierte a la banda en una experiencia tanto intelectual como visceral.

Su actuación en el Sognefjord Orange Fest será un evento muy especial. No solo porque se trata de su primera vez en España, sino porque será un set de 80 minutos, al igual que el de Mistur, algo poco común en un festival. Aunque no han confirmado si presentarán material nuevo, sí han adelantado que tocarán canciones que llevaban mucho tiempo sin interpretar, y puede que incluyan alguna rareza. “Quizá haya alguna sorpresa relacionada con Windir...” sugiere Thomas, dejando la puerta abierta a un homenaje no explícito pero cargado de significado.

La relación de Cor Scorpii con Mistur, también en el cartel, es fraternal. Ambas bandas comparten miembros y una historia común, pero lejos de competir, se inspiran mutuamente. “Nos empujamos a ser mejores, no por rivalidad, sino por respeto mutuo.” Ese espíritu de comunidad es parte de lo que hace del Sognefjord Orange Fest un evento tan especial: una reunión no de bandas, sino de almas conectadas por una visión artística compartida.

Para quienes aún no conocen a Cor Scorpii, su participación en este festival será una revelación. No son una banda de grandes fuegos artificiales ni de fórmulas efectistas. Son honestidad, emoción, y composición cuidada hasta el último detalle. Un espejo melódico donde se refleja la tristeza más luminosa y la épica más íntima.

El Sognefjord Orange Fest Es un acto profundamente emocional, tejido a partir del respeto, la memoria y la necesidad de crear algo auténtico.

Cada banda del cartel trae consigo una historia. Un lenguaje emocional que atraviesa generaciones, idiomas y geografías. De los valles noruegos al Mediterráneo, el sognametal ha demostrado ser mucho más que un sonido: es una forma de estar en el mundo.

Este reportaje ha recorrido los caminos que conectan a cuatro formaciones distintas —Ferndal, Mistur, Cor Scorpii y Foscor— con una raíz común: el poder de la música para construir identidad, comunidad y trascendencia.

Ahora solo queda cruzar esa puerta. El 7 de febrero de 2026, cuando las luces se apaguen en el Zulú Klub y la primera nota suene, ya no estaremos hablando de influencias, ni de géneros, ni de geografías. Estaremos frente a una emoción compartida, brutal y llena de luz.