Nos plantamos en junio con la difícil misión de encontrar discos interesantes que rescatar para este mes. El año 71 es el más complicado de conseguir. El rock duro estaba comenzando y el heavy era una novedad casi desconocida. Para la ocasión hemos acudido al disco de debut de los galeses Budgie. Los 80 son para uno de los mejores discos en la carrera de Blue Oyster Cult, su trabajo "Fire of Unknown Origin" que contiene magníficos clásicos como "Burning for You" o  el temazo "Veteran of the Psychic Wars", de la película de animación Heavy Metal.

En 1991, unos exitosos Van Halen recorrían el mundo con su segundo cantante Sammy Hagar y publicaban el disco "For Unlawful Carnal Knowledge”, más flojo que sus dos entregas anteriores con Hagar, pero con algunos temas interesantes como "Poundcake". "Horror Show" era la propuesta para 2001 de los americanos Iced Earth -un álbum conceptual sobre los personajes clásicos del terror como el hombre lobo, Drácula o Damien.  Y finalizamos el 3 de junio de 2011 con la publicación de "Call to Arms" de Saxon, en un intento de la banda por volver a su sonido de los 80.

1971 BUDGIE: "Budgie"

Formación: Burke Shelley - Bajo, voz, Mellotron. // Tony Bourge - Guitarras, coros. // Ray Phillips - Batería, percusión.
Budgie es una de esas bandas que desarrollaron el primitivo heavy metal, allá por finales de los 60 y principios de los 70. Formados en 1967 en Cardiff (Gales), y con la estructura de trío, pronto destacaron por lo largos desarrollos de la guitarra y por la voz tan característica de Burke Shelley. Su debut llegó en junio de 1971 con su disco de nombre homonimo y una extraña portada.

La inicial "Guts" sigue un ritmo muy machacón con clara influencia de Black Sabbath y la psicodelia. "The Author" recuerda los desarrollos instrumentales de Jimi Hendrix. Mientras que piezas como Nude "Disintegrating Parachutist Woman" y "Homicidal Suicidal" son pura arqueología metálica. La primera, con casi 9 minutos, se convierte en un interesante escaparate de todos los tópicos del género: ritmo pausado, voces agudas, aceleración progresiva, largos solos de guitarra y una batería cada vez más rápida. "Homicidal", por su parte, es una pieza algo más breve con un marcado papel de la guitarra. El álbum tambien posee sus momentos de calma como en la psicodélica "All Night Petrol" o la balada "You and I".

Sin duda se trata de un álbum básico para entender hacia donde irá el rock duro en el futuro. Quizá para algunos pueda ser un buen descubrimiento que les permita saber de dónde viene todo esto y que el nombre de Budgie ha de estar escrito junto al de Black Sabbath o Led Zeppelin en los inicios del metal.

Aquí podéis escucharlo en Spotify

 

1981 BLUE OYSTER CULT "Fire of Unknown Origin"

Formación: Eric Bloom – voz, guitarra, bajo en el "Heavy Metal: The Black and Silver" // Donald 'Buck Dharma' Roeser – guitarra, voz, percusión en "Veteran of the Psychic Wars"; bajo y efectos de sonido en  "Joan Crawford" // Allen Lanier – teclados // Joe Bouchard – bajo, voz // Albert Bouchard – batería, sintetizadores, voz.

Junto a los tres primeros discos de la banda y "Agents of Fortune" de 1976, es de lo mejorcito de BOC. Producido por Martin Birch, llegó después de la gira compartida con Black Sabbath el "Black and Blue Tour". El regreso a los sonidos más roqueros que habían comenzado en 1980 no fue obstáculo para que escribieran uno de sus temas más comerciales y querido por sus fans: "Burning for you" . Lamentablemente sería el ultimo disco con la formación clásica. En un principio, muchas de las canciones estaban pensadas para formar parte de la banda sonora de la película de animación Heavy Metal, pero fueron descartadas, quedando sólo "Veteran of the Psychic Wars" como testigo de esta participación.

Es quizá este carácter de banda sonora el que hace que los teclados jueguen un papel dominante en temas como el mencionado o "Heavy Metal: The Black and Silver" o "Vengeance". Pero más allá de bandas sonoras este disco esconde joyas inmortales como "Fire of Unknown Origin", "Sole Survivor" o "Joan Crawford".

Un disco impresionante, de escucha obligada para cualquiera que aprecie la buena música.

Aquí podéis escucharlo en Spotify

https://www.youtube.com/watch?v=Q5k05DFD0nE

1991 VAN HALEN For Unlawful Carnal Knowledge

Formación: Sammy Hagar – voz // Eddie Van Halen – guitarras, teclados, coros // Michael Anthony – bajo, coros // Alex Van Halen – batería, percusión, coros.

Uno de los discos menos inspirados de la banda es este “For Unlawful Carnal Knowledge”, el tercero con Sammy Hagar. Aunque en el plano creativo se le puede achacar cierto conformismo compositivo y repetición de los tópicos del grupo, el disco se posicionó en el número 1 de las listas americanas –como todos los de la era Hagar-.

Eddie parece haber dado un paso al lado y dejado que Sammy Hagar se haga cargo del peso estilístico. Musicalmente hablando es un disco desigual: los temas más destacados como “Poundcake”, “Right Now", la blusera "Runaround" o "Top of the World" se alternan con otros algo confusos  como "Judgement Day" o "Pleasure Dome" y otros para nada roqueros como "Spanked" o "Man on a Mission"

Se trata pues de un disco bastante prescindible, pero su siguiente "Balance" de 1995 tampoco es para tirar cohetes a pesar del éxito comercial. Hagar marcharía en 1996, siendo sustituido por Gary Cherone de Extreme.

Aquí podéis escucharlo en Spotify

https://www.youtube.com/watch?v=I-87vYrB848

2001 ICED EARTH Horror Show

Formación: Matt Barlow – voz // Jon Schaffer – guitarras, mandolina, teclados, voz // Larry Tarnowski – guitarras // Richard Christy – batería

Publicado el 26 de junio, este sexto álbum de Iced Earth es un disco conceptual que gira alrededor de los personajes de las novelas y películas de terror. El hombre lobo, Drácula, el fantasma de la ópera, Jack el destripador o Frankestein comparten sus historias bañadas de sonidos que se adentran en el power metal.

La inicial "Wolf" es uno de los temas más rápidos junto a "Jack". Los coros épicos marcan el tema "Damian" (de la película La Profecía) mientras que las guitarras acústicas sirven para hablar de fantasmas en "Ghost of Freedom". La historia de Im-Ho-Tep nos recuerda al clásico de Boris Karloff "La Momia". "Jackyl & Hyde" tiene ecos de los mejores Savatage mientras que "Dracula" y "Frankestein" son temas más oscuros y pesados.

El homenaje a una de las grandes influencias del grupo viene de la potente versión del tema instrumental de Iron Maiden, "Transylvania". "The Phantom Opera Ghost" cierra el disco de forma magistral con la voz de Yunhui Percifield en el papel de Christine.

Aunque a priori pueda parecer extraño dedicar un álbum conceptual a estos personajes, el conjunto es muy interesante. La banda seguiría con sus álbumes conceptuales en 2004 con  "The Glorious Burden" y la historia militar de los Estados Unidos.

Aquí podéis escucharlo en Spotify

2011 SAXON "Call to Arms"

Formación: Biff Byford - voz // Paul Quinn - guitarra // Doug Scarratt - guitarra // Nibbs Carter - bajo // Nigel Glockler - batería. Músico adicional: Don Airey - teclados

Estamos ante un disco que mira al pasado de la banda sin dejar de lado los ritmos más modernos del nuevo milenio. Saxon realiza un recorrido tanto en la música como en la letra por sus influencias de los 80. Desde la rápida inicial "Hammer of the Gods" (de nombre zeppeliano) hasta la versión orquestal de la balada "Call to Arms" va cayendo una colección de grandes temas que aún mantienen la calidad suficiente que se le pide a Saxon en la actualidad. No hay que olvidar que es el disco 19 de la banda y aún siguen pegando fuerte, aunque sea muy difícil superar sus inicios de la época de "Wheels of Steel" o "Denim & Leather" .

El segundo corte, "Back In '79" recoge el espíritu de "And the bands played on" con ese recuerdo a la música de finales de los 70. La rapidez la marcan piezas como "Surviving Against the Odds" o "Afterburner". "When Doomsday Comes" tiene claras referencia a los Purple de "Perfect Stranger", mientras "Mists of Avalon" le debe mucho a las influencias de Page. El hard rock se deja asomar en temas como "Chasing The Bullet" o "Ballad of the Working Man" y la calma tiene su momento en el excelente "Call to Arms". La vuelta a reconstruir el sonido NWOBHM se hará más que evidente y con mayor éxito en su proximo disco "Sacrifice".

Aquí podéis escucharlo en Spotify

Dejarse llevar por las emociones, a veces, es correr riesgos. Pero si no apuestas, no arriesgas. Y asumir riesgos es de valientes. Independientemente de lo que pueda ocurrir. Crees en lo que estás haciendo y apuestas. Te la juegas. Y eso es lo que han hecho los gallegos BALMOG. Creer en sus convicciones musicales, crear lo que les ha salido de dentro. El resultado, “Eve”, una de las obras más completas de metal extremo en lo que va de año.

Este cuarto álbum de la banda esta creado con mucha ambición. Se han cuidado todos los detalles; música, letras, concepto… Las letras, duras. Algunas basadas en textos del  autor portugués Pessoa, y la poesía del gallego Xose María Díaz Castro. Incluso podemos escuchar narraciones en gallego en alguna canción. Parte de la portada está inspirada en un cuento del autor gallego Castelao, escrito en los años treinta, que trata de un esqueleto con un ojo de cristal.

Eve” es un disco de Black Metal. De eso no tengáis la menor duda. Las bases en las que se asienta el sonido de Balmog es el Black, aunque, es difícil definir en el punto en el que están musicalmente hablando. Porque este es un disco lleno de matices y sonidos muy amplio. Es un disco complejo. Entre este, y su anterior trabajo “Vacvvm” (2018), se notan esos cambios, y sobre todo en su EP “Pillars of Salt”, en el que ya se empezaron a ver las intenciones en las que ha desembocado “Eve”.

Remarco y reitero lo de “Las bases en las que se asienta el sonido de Balmog es el Black...”. Una buena muestra sería “Senreira”, rápida y desquiciante a la vez, con un gran trabajo en guitarras. Es un tema que te lleva por momentos a ese Black añejo y crudo, pero con un sonido renovado. Al igual que “Desacougo”, donde podemos escuchar esa amplitud de influencias en las que desboca el álbum. “Slander” es un paseo tétrico y oscuro, que me recuerda a esas bandas sonoras de películas de corte siniestro.

Gran parte de la complejidad de “Eve” está en esa vena progresiva que impregna casi todas las canciones que lo componen. Esos cambios de ritmo, esa amalgama de sonidos, tan meditada y calculada, dan forma a una de las canciones que más me ha sorprendido, “Carrion Heart”. Esos 2/3 minutos iniciales son Pink Floyd. De hecho, me vino a la cabeza “Run Like Hell”. Esta es una demostración clara de a qué nivel se encuentra compositiva y técnicamente la banda. Conseguir esa conexión perfecta entre el Black y lo mejor del rock progresivo… buff!. No hay límites para Balmog?...

Han puesto el listón muy alto, creando una obra muy exigente. Como me decía Balc en una reciente entrevista… “Hemos hecho lo que nos ha dado la gana. Lo que nos ha salido de dentro”. Y “Eve” es de esos discos que se deben apreciar en su totalidad. No es un disco guerrero de Black, de los de tralla desde que arranca hasta que acaba. Es un disco para disfrutarlo, para escuchar, que no es lo mismo que oír. Balmog se han salido con “Eve”. Gran trabajo!!

Llega el tan esperado nuevo álbum de los noruegos Vulture Lord, “Desecration Rite”. A Sorath Northgrove, vocalista, y único superviviente de la formación original, le acompañan Uruz a la batería (Blåhø, Highland Glory, Obscuring Veil, ex-Crest of Darkness, ex-Shining...), Enzifer en la guitarra (ex-Urgehal), y también en la guitarra Malphas (Carpathian Forest, Endezzma, Hagl, Svarttjern).

Con estas armas, y pese a los 18 años que han pasado desde su primer y último álbum “Profane Prayer”, Vulture Lord demuestra en esta segunda obra que no han perdido fuerza. “Desecration Rite” es como una inyección de veneno degenerativo que te destroza desde dentro. Sólo hay que escuchar los dos primeros sencillos que se han lanzado del álbum, “Bloodbound Militia” y “Stillborn Messiah”. Black Metal rápido, con unas guitarras endiabladas que disparan riffs asesinos. Voces desgarradas, pero firmes, que escupen contra el cristianismo y todo lo que representa. Todo ello con una producción limpia, en la que todo se puede escuchar de forma limpia y nítida.

Con algunas composiciones del fallecido Trondr Nefas (RIP 2012), “Desecration Rite” se acredita por sí mismo en uno de los mejores discos de Black/Thrash de este 2022. Nefasto, violento, brillante. Un disco que te levanta en peso desde la inicial intro “Glorification of the Dethronation”. Tras varios intentos de ser lanzado, estos 18 años de espera han merecido mucho la pena.

Track listing

1. Glorification of the Dethronation
2. Bloodbound Militia
3. Stillborn Messiah
4. The Vulture Lord
5. Diabolical Intervention
6. Prepare The Coffin
7. Beneficial Martyrdom
8. Burning the Kingdom Of God
9. Perverting The Bible

Artaban's-Redemption-Broken-PuppetsEl pasado 21 de mayo, se publicaba el nuevo EP de Artaban’s Redemption a través de Demons Records. La formación cuenta con un particular elenco de músicos como son Álvaro Weik (Unbound) a las guitarras, Elena Alonso (Lethargus) a los teclados, Francesco Ferraro (Freedom Call) al bajo, Roberto Cappa (Roberto Cappa) a la batería e Iván Giannini (Vision Divine) a la voz.

El EP ha sido mezclado y masterizado por Dan Díez (Tierra Santa) en Rock Lab Studios. Además contando con la participación de Dan Díez y Sergio Martínez Foronda (Unbound) en temas del EP.

Este EP nos cuenta una historia conceptual donde la inteligencia artificial se enfrenta a la humanidad, tras verse rechazados por la humanidad, los robots se enfrentan en una rebelión contra ellos.

La historia es contada a través de cinco temas desarrollados a través de pasajes musicales de power metal muy clásicos; que nos despertarán la nostalgia de los 90 cuando bandas como Sonata Arctica, Blind Guardian o Stratovarius se abrían paso de forma agigantada con este estilo tan particular.

“Broken Puppets” comienza con “Obsolete Tech” centrado en la primera parte de la historia donde el robot protagonista se encuentra desechado en un vertedero; rechazado por la humanidad. Con ciertos aires de tristeza, nos encontramos el comienzo de esta historia con grandes riffs de guitarra y un doble bombo muy protagonista. Aquí ya podemos ver la predominancia del power metal en la que han querido centrar el EP.

“Revolution” es el tema más largo del EP. Comienza de forma más serena y melódica, muy bien interpretada a través de la voz de Iván Giannini, mientras le acompaña un teclado alzando la personalidad de esta entrada. Después da paso a una estructura más enérgica y rítmica; y pasajes más dinámicos contrastando fuerza y melodía entre ellos. En este corte, la historia prosigue contando los recuerdos del robot; que sintiéndose engañado por los humanos organiza una revolución para enfrentarse a los humanos. Musicalmente se transmite bastante bien la emoción que personifica el robot en este tema.

A través de “Shutting Down” podemos escuchar de nuevo, el carismático power metal que enlaza toda la idea del EP. Es un tema muy representativo de la idea que quería transmitirse.  En este caso, se va narrando como los robots empiezan su ataque contra los humanos desactivando todos los sistemas eléctricos. Es un tema muy intenso, con una gran potencia y actitud a las guitarras; mientras el doble bombo va acompañando con mucho carisma.

“Time For War” es un tema caracterizado por su serenidad, donde los teclados toman un gran protagonismo dotando al tema de melodías realmente destacables. Es un respiro tras un tema como “Shutting Down”, sin perder el carisma que propone el EP. En este tema, podemos escuchar el solo de Dan Díez a la guitarra, con un sonido bastante clásico. Además, es un gran punto en la historia conceptual que nos cuentan; los robots entran a la ciudad contra la humanidad que en este momento no posee nada tecnológico.

El cierre de “Broken Puppets” se desarrolla en “Never Again”, otra composición fuerte, con mucho dinamismo e intensidad. Cerrando por lo alto contando con un doble bombo enérgico, riffs veloces, melodías exaltadas y una voz con mucha textura, contando además con la aportación del solo de Sergio Martínez para el final del tema. La historia cierra con la expulsión de los humanos de la ciudad; siendo los robots los que manejen la ciudad. El final es esperanzador para ellos.

Personalmente, la idea de “Broken Puppets” me resulta muy frecuentada, sigue faltándome cierta originalidad con respecto a la historia de la inteligencia artificial contra la humanidad. Pero debo decir que musicalmente han conseguido transmitir el estilo que buscaban para este EP; cortes de power metal muy bien caracterizados e interpretados.

Puedes hacerte con el EP de Artaban's Redemption en este enlace.

Más información de Artaban's Redemption en este enlace.

 

portada-mario-gutierrez-deliria-demons-records¿Qué podemos esperarnos de «Deliria», el tercer disco de Mario Gutiérrez? En esta nueva entrega, el guitarrista ha querido componer de una forma más personal e intrínseca dejando claros sus pensamientos de infinitas maneras.

Tras salir de Azrael, Mario no ha parado de componer de la forma más sincera posible entregándose a su amor por la música. En este disco nos encontramos con un total de diez composiciones con una gran técnica a la guitarra, una estética muy variada y una excelente calidad sonora.

Entrando con fuerza en su primer corte, «Sintonía Rockstar»; donde predomina de nuevo el virtuosismo de Mario Gutiérrez como presentación a lo que está por venir. Un destacable comienzo; incluyendo además que se trata de una especie de tributo a las sintonías radiofónicas de programas como Rock Star; como podemos comprobar con el mensaje posterior al tema. Esta es otra de las cualidades que contiene el disco, los pequeños mensajes que dejan claro lo que Mario quería expresar en cada composición.

El disco continua con «Un Hombre Normal» donde ya comienza a vislumbrarse una parte más personal del guitarrista; un tema muy propio, pero donde la parte rítmica prevalece con una composición muy variada. Los pasajes musicales son muy expresivos, auténticos e incluso muy pegadizos. El disco rompe con «Ciudad del Silencio» con una atmósfera más serena que nos irá acompañando a lo largo del tema; es un corte instrumental con varios cambios de intensidad a mayor a medida que va avanzando y que transmite un excelente equilibrio entre sentimiento y tecnicidad.

«70 noches» es otro pasaje muy rítmico, donde Mario Gutiérrez se atreve a cantar de nuevo para transmitir un poco más sobre sí mismo, contando además con el pequeño mensaje al final realizado por su hijo. Pero igualmente, es otro corte muy adictivo y con una sonoridad muy alegre; cuenta con el añadido de que considero que es una canción con la que mucho de nosotros podemos sentirnos identificados.

Volviendo a pasar por las instrumentales, «La Canción de Baños de Montemayor» es verdaderamente emotiva y delicada; un pequeño tributo por parte de Mario Gutiérrez a una localidad muy especial para el guitarrista. Un descanso para los oídos en contraste con temas más rítmicos a los que da paso como «Rondo Alla Turca»; que nos despierta hacia el carismático y clásico tema de Mozart; interpretado de una forma excelente.

Siguiendo con esta parte del disco, nos encontramos por un lado «Cuando El Pasado Vuelve» y «Siguiendo Tu Estela», donde se muestra de nuevo un lado más personal, incluyendo un tributo a la música argentina en el primero y remarcando diversos pasajes musicales muy contrastados en las dos composiciones, y por otro lado, «Siete Lagunas» y «Musa Lidia».

Estas son dos instrumentales muy significativas de «Deliria», «Siete Lagunas» es realmente un despliegue de habilidades y de musicalidad; una clara demostración de la motivación y la pasión del músico, pero esto se remarca más con «Musa Lidia»; un corte realmente enérgico, con mucha fuerza y con una gran entrada con pasajes introducidos por escalas con mucha personalidad. Además contamos un excelente vídeo en el que Pelu Sánchez y Mario Gutiérrez interpretan este tema juntos, que no puedes dejar pasar.

Considero que los temas más destacables son «Ciudad del Silencio», «Musa Lidia», «Sintonía Rockstar» y «Un Hombre Normal». Principalmente, «Deliria» es un disco muy accesible, realmente se puede disfrutar bastante, tiene temas con más textura musical, con una producción sonora muy notable. Tiene pasajes musicales más virtuosos, y otros más serenos que aporta una gran variedad de emociones. Contamos con la parte más humana y reflexiva de Mario Gutiérrez pero con una balance bien equilibrada, ya que además podemos escuchar partes con una gran ejecución e interpretación a la guitarra. Además como músico es indudable la habilidad tan destacable que tiene de encontrar el equilibrio entre técnica y sentimiento; esto nos otorga un disco muy variado, completo y realmente singular.

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

Más información de Mario Gutiérrez en este enlace.

sol-de-sangre-despair-distillerEl pasado 30 de abril, la banda originaria de Colombia, Sol de Sangre publicaba su EP, “Despair Distiller”.  Una nueva entrega estructurada en un total de cuatro temas, con una duración de unos 15 minutos, donde la banda plasma una personalidad muy agresiva y afilada. Además junto a algunas innovaciones, como es el idioma; que con un cambio de planteamiento se apartan de su idioma natal español para basar sus líricas en el inglés.

Nada más empezar, nos encontramos con “Tumbas del Olvido”; un pequeño preludio con un pasaje muy atmosférico y orgánico; donde predomina de fondo el sonido de la lluvia.

La brutalidad que desprende esta nueva entrega se deja entrever en las siguientes composiciones. Dando entrada con “Self Hatred Maze”, en este tema nos encontramos con algunos cambios de tiempo y riffs agresivos; que junto a las melodías y el añadido de las voces guturales de Kike Valderrama hacen que este sea un tema muy completo.

Siguiendo la línea musical del metal extremo, continua “Noise And Bile”; en el que además contamos con la colaboración de Juancho Gómez de la banda Masacre. La composición es muy marcada, con mucha intensidad donde el sonido hace especial tributo a aquellas bandas de metal extremo de los 90s.

Para terminar, la entrega se cierra con “Dismal Blasphemies”, el primer corte que desvelaron. Este tema contiene riffs afiladas, pero salvajes, incluyendo una batería con muchos cambios donde a partir de la mitad del track no falta tampoco la melodía, contando con un gran contraste que no deja nada que desear.

Siendo de una duración muy determinada, y a pesar de que se haga corto, en esta entrega los temas son muy característicos. Sin olvidarnos del peculiar primer corte, la formación nos ofrece tres temas de una duración más amplia que se ajustan a una variedad de elementos; riffs afilados, ritmos contundentes y buenas estructuras musicales; una presentación muy singular por parte de Sol de Sangre y que todo amante del metal extremo disfrutará.

Tracklist:

01. Tumbas del Olvido
02. Self Hatred Maze
03. Noise and Bile
04. Dismal Blasphemies

Formación de Sol de Sangre:

Kike Valderrama – Voz
Jerónimo Álvarez – Guitarra y Bajo
Gonzalo Restrepo – Batería

Más información en su página oficial.

Estamos ante uno de los trabajos más espectaculares del panorama nacional de este año. Así de tajante puede ser este tercer trabajo de las gallegas Bala.

Tras un gran paso como fue ‘Lume’ hace cuatro años, ahora la vuelta se llama ‘Maleza’ con otro movimiento hacia adelante a nivel sonoro y a nivel de apoyo discográfico. El dúo formado por Anxela y Violeta está teniendo una trayectoria a nivel de ensayo y error. Empezaron cantando en inglés, luego se cambió más al castellano, y ahora estando en un escaparate discográfico de referencia internacional como Century Media, siguen apostando en su mayoría con el castellano. Prueba de intenciones con un resultado espectacular.

Musicalmente es una continuación de su anterior álbum, pero llevando la mezcla y la producción a otro nivel, aun estando los mismos nombres al cargo como Santi García de los Estudios Ultramarinos. Aquí tenemos un sonido más de guitarra más detallista, alejándose de la potencia que tuvimos en 2017. La batería de Violeta, por momentos, es más protagonista que los riffs de Anxela y eso es el punto a favor de ‘Maleza’; aquí las dos tienen su importante por igual.

Los primeros adelantos ya nos hacían intuir que el álbum va a crear un punto de inflexión en la carrera de Bala. Con el primero, “Agitar” con la letra de Lua Mosquetera, ya fue un corte clave. Fue el single perfecto para la gente que no conocía a la banda anteriormente y además, es el single perfecto para los que pedimos cambios y correr riesgo a una banda. Luego tenemos como “X”, en inglés, que nos lleva al aspecto más stoner del álbum, recordando a esos primeros trabajos de QOTSA.

Puntos altos en el álbum son temas como “Quieres entrar” y “Una selva”. La primera vuelve a contar con Najwa Nimri en los coros como en “Agitar” y da paso al vendaval con una Anxela desatada y con una amalgama de cambios magníficos llevando el juego de guitarra a su lado más técnico en el álbum. Esta mezcla de doom y stoner que desprende todo el trabajo se adueña con mayúscula en este temazo. Por su parte, la canción con la que acabamos el viaje, “Una selva” es la letra de esperanza. Buscar la luz después de toda la debacle que cantaban en ‘Lume’ y parte de este ‘Maleza’. Con un mensaje que fue escrito hace bastante tiempo y que ahora nos llega en el momento perfecto.

El punto quizás negativo puede ser la duración. Se hace corto, aunque nada nuevo si has seguido a Bala. Si es cierto que después de unos años y viendo los álbumes tan largos que están saliendo a raíz del confinamiento, se nos hace raro tener 25 minutos. También señalar que si el punto malo es la duración, benditos los álbumes cortos. Bala han vuelto por todo lo alto, con un trabajo top y que entrará dentro de las listas de mejores del año sin duda alguna.

La conclusión podría ser que Bala han disparado entre ceja y ceja, que ojalá lo revienten en la extensa gira que este álbum debe de tener y a los que buscan fuera de las fronteras la calidad, que miren de vez en cuando a la tierra donde hay bandas igual o incluso mejores que en el ambiente internacional.

Bala

Tracklist:

1. Agitar
2. Hoy No
3. X
4. Mi Orden
5. Cien Obstáculos
6. Quieres Entrar
7. Rituais
8. Bessie
9. Una Selva

Hugo-Bistolfi-Viaje-Al-Cosmos-España

Portada realizada por José Antonio Vives

Desde que fue publicada la primera versión de «Viaje al Cosmos» en el año 2009, ¿Quién no ha tenido la ocasión de conocer esta historia cósmica de Hugo Bistolfi? Tras dejar Rata Blanca, el teclista ha dedicado gran parte de su tiempo a componer su propia historia, que ha llegado a versionarse por diversas partes del mundo. Hemos podido recrearnos con las versiones de Perú, Bolivia, Paraguay, Colombia, México, Panamá y Chile.

Ahora, en 2021, Hugo Bistolfi ha querido ir un paso más allá con esta historia, y darle su lugar en España con numerosos artistas nacionales como Isra Ramos, Fran Vázquez, Pacho Brea, Joaquín Padilla, Pablo Solano, Rebeca Montón, Manuel Escudero, Rubén Kelsen, Paco Ventura, David Palau, Mario Gutiérrez, y José Rubio.

El disco se ha publicado el pasado 30 de abril a través de Demons Records; esta entrega cuenta con un elenco de artistas con mucha variedad y diversidad musical; dentro del disco este es uno de los pilares fuertes y remarcables. Todos ellos con una trayectoria considerable, demostrando ser músicos de altura. Desde un primer momento, esta ópera rock prometía.

En la obra nos encontramos con 16 pistas, en las que se entremezcla la historia narrada por Samuel Hernández junto a las canciones que acompañan a los relatos. En este tipo de relatos, los sonidos y pasajes musicales que se incluyen y van acompañando nos permiten adentrarnos en la historia con cada melodía que interpreta Hugo Bistolfi de una forma muy natural.

La historia conceptual nos muestra un escenario donde el planeta Tierra llega a su fin debido al daño ocasionado por la humanidad, y una pareja, también llamada «Los comandantes del amor»; buscan otro planeta donde vivir, lejos de toda guerra y maldad. En busca de paz y esperanza.

Si nos centramos en las colaboraciones; tengo que decir que Rubén Kelsen me sorprendió gratamente en el desarrollo de «Prisión Planetaria», ya ha conseguido manejar sus registros vocales para adecuarse a lo que requería el tema, con una voz muy limpia; y acompañado de David Palau han otorgado una gran personalidad al tema. Esto es un gran paso, apoyar a las jóvenes generaciones para que puedan mostrarnos todo lo que tienen que decir, que no es poco y no podemos dejar en el olvido.

Quiero destacar también el tema «Radar de Sentimientos», la atmósfera musical junto a la voz de Fran Vázquez, consiguen que no falte intensidad ni emoción. El vocalista usa unos registros vocales son únicos, y el solo de guitarra de Mario Gutiérrez; que sigue tras la interpretación de Fran hacen que sea uno de los temas más característicos del disco.

Pero dado que es una entrega muy versátil; no podía quedarse atrás en cuanto a diferentes pasajes musicales, frente a composiciones más serenas o emotivas, nos encontramos con otras marcadas de una forma más dinámica, como ejemplo, en la pista «Luz», podemos disfrutar de un tema con una gran variedad de elementos, con mucha fuerza y vigor.  O bien, «Fiesta Universal», comenzando con una entrada muy vivaz, apreciamos a Isra Ramos, con un registro muy animado durante todo el tema, y comunicando con la tonalidad que la canción necesita.

Y si queremos perdernos en el ritmo, el tema sobresaliente es «Océano de Espacio y Tiempo», el conjunto de las estrofas es muy rítmico, donde el teclista deja caer una excelente interpretación, junto al acompañamiento de Joaquín Padilla. Una combinación muy destacable.

En esta reseña he querido centrarme en los temas que considero más peculiares de esta versión española de «Viaje Al Cosmos». Realmente, es una entrega muy carismática, dinámica y con mucha variedad musical. Tiene muchos elementos tanto en el amplio abanico de registros musicales que nos muestra como por la peculiar historia que nos cuenta. Por ello, hay que pararse y escucharla, hay que dejarse llevar por su musicalidad e ir descubriendo cada sonido.

Podemos sentirnos contentos de que su compositor, Hugo Bistolfi haya querido contar con nuestro país y la gran riqueza de artistas nacionales que tenemos, cada uno de ellos ha hecho un gran trabajo y sin duda, es una obra musical que, incluso si tenemos ocasión de verlo en directo; no dejará impasible a nadie.

Hugo-Bistolfi-Demons-Records

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

Más información en la página oficial de Hugo Bistolfi.

Un mes más dedicamos este pequeño espacio a recordar un puñado de discos que cumplen década en este 2021. Para empezar nos daremos una vuelta por Irlanda de la mano del genial Rory Gallagher y su primer álbum en solitario, después de su etapa al frente de la banda Taste. Los 80 son para los canadienses Anvil y su primer disco "Hard 'n' Heavy" donde nos demostraban lo que era crear buen heavy metal clásico fuera del Reino Unido.

En 1991, Venom nos traían cambios en su formación original y un álbum: "Temples of Ice" de gran calidad, aunque inferior a sus clásicos de los 80. Otros que también estaban de cambios en su formación era los Megadeth de principios de milenio y eso se nota en su álbum "The World needs a Hero".

Para acabar este repaso mensual, los suecos Hammerfall nos traen su disco más oscuro "Infected". Y es que los zombies pudieron más que el power metal clásico de la banda.

1971: Rory Gallagher: “Rory Gallagher”

Formación: Rory Gallagher, voz, guitarra, saxofón, mandolina, harmónica.; Gerry McAvoy – bajo, voz; Wilgar Campbell, batería y percusión. Vincent Crane – piano en los temas 4 y 9

Corría 1970 y la banda Taste se separaba después de haber participado en el festival de la Isla de Wight. Rory Gallagher, cerebro de la banda, decidía comenzar su carrera en solitario y lo hacía con un disco donde encontramos a partes iguales, rock, blues y boogie.

La figura de Rory Gallagher quizá ha pasado más desapercibida para el gran público, pero los que lo conocen no dudan en colocarlo entre los mejores y más influyentes guitarristas de la historia del rock. Incluso Jimi Hendrix también lo consideraba el mejor guitarrista del mundo.
En mayo de 1971 publicaba su primer disco de título homónimo que, al igual que Taste, consistía en un simple trío con Rory a la guitarra; Gerry McAvoy al bajo y Wilgar Campbell a la batería. Y como siempre, producido por él mismo.
El disco comienza con el potente boogie “Laundromat”, con un magnífico riff. “Just a Smile” bebe directamente del folk irlandés con una sorprendente voz muy melódica y la guitarra acústica como elemento característico, al igual que ocurre en “Wave Myself Goodbye”, algo más blues. Las baladas tienen su momento con “I Fall Apart”, gran aportación de la línea de bajo de McAvoy o en “I’m not surprised”.

El rock más acelerado tiene sus momentos en “Hands Up”. El country asoma en “It’s You” “Sinner Boy” es un medio tiempo con un evocador pasaje central en el que juegan la guitarra y la voz comunicándose en los solos. “For the Last Time” parece el tema ideal para desarrollar en una interminable gram jam session.
Con “Can’t Believe It’s True” se cierra el disco. Se trata del tema más extenso, pero paradójicamente suena como si se tratase de un single. Aquí escuchamos una de esa composiciones en las que Rory también toca el saxofón.

La discografía en solitario de Rory abarcaria 11 discos en estudio y 6 directos. Se decía de él que siempre estaba de gira eterna. Este genial irlandés murió el 14 de junio de 1995, a la edad de 47, debido a problemas de salud.

1981: ANVIL: "Hard ‘n’ Heavy”

Formación: Steve "Lips" Kudlow, voz, guitarra; Dave Allison, guitarra y voz en "I Want You Both (With Me)" y "Oh Jane", Ian Dickson, bajo; Robb Reiner, batería.

Anvil, sin ser uno de los grandes del heavy mundial sí que son una de esas bandas entrañables que caen bien a todo el mundo. Para muchos es el mejor grupo canadiense que interpretó a la perfección las lecciones de la NWOBHM inglesa.

Formados en 1973, contarán con su alineación definitiva en 1978 y con su primer álbum de debut en 1981, este “Hard ‘n’Heavy”. De hecho, cuando se lanzó el disco, el grupo aún se llamaban Lips, cambiándolo poco después y volviendo a publicar el disco con el nuevo nombre. 9 temas propios y la versión del “Paint it Black” de los Rolling Stones son su carta de presentación. El estilo: un hard y heavy muy básico con buenos momentos como en “I Want You Both (with me) –un tema muy glam-; “Bedroom Game” –de tono speedico- o  “Hot Child”.

Curiosos los temas “School Love” que recuerda a Alice Cooper o “AC/DC” cuya temática nada tiene que ver con la famosa banda. El

éxito de este primer disco llevó a Lemmy de Motorhead a pedirle a Kudlow que tocara la guitarra con ellos en sustitución de Fast Eddie Clarke quien había abandonado el grupo.

Serían sus siguientes discos de los 80 "Metal on Metal" (82)  o "Strength of Steel" (87) los que los situarían en primer plano internacional. Pero los 90 fueron duros para muchos grupos clásicos de metal y Anvil también tuvo sus años de crisis y olvido. En 2008, el film documental "Anvil! The Story of Anvil" los trajo de nuevo a la actualidad y desde entonces, la banda de Toronto sigue dando buenos momentos a sus fans.

1991: VENOM: “Temples of Ice”

Formación: Tony "Demolition Man" Dolan, voz y bajo; Jeff "Mantas" Dunn – guitarra; Al Barnes, guitarra; Anthony "Abaddon" Bray – batería

Los buenos tiempos de la banda se habían quedado atrás. La formación original había dado paso a diferentes variaciones y en 1991 Venom lo componían los originales Mantas y Abaddon junto a Tony Dolan “Demolition Man” que repetía por segunda vez, al bajo y voz.
Formados en 1978 en Newcastle, con Cronos a la voz, Venom son considerados los padres del Black Metal, gracias al titulo de su segundo àlbum “Black Metal”. Discos como “Welcome to Hell”, “Possessed” o “At War with Satan” los habían hecho mundialmente famosos pero en 1991, las músicas habían cambiado. Otros sonidos más modernos, entre ellos el grunge o el éxito de grupos como Metallica o Guns 'n' Roses estaban cambiando el gusto de los oyentes. Pero esto no fue obstáculo para que Venom siguieran produciendo su sonido sucio característico en forma de excelentes discos como el anterior “Prime Evil” o este “Temples of Ice”.
Tras una portada colorista y “horrible” se esconden piezas muy recomendables como la inicial “Tribes” – con un bajo muy marcado y la guitarra de Al Barnes colaborando con Mantas. La más complicada “Even in Heaven”, con suave inicio acústico para ir descargando su heavy más añejo entre pasajes rápidos y medios tiempos. “Arachnid” se muestra muy ràpida; y la pieza que da titulo al álbum es un tema también muy recomendable con unas guitarras acústicas que se van acelerando y que poco a poco van silenciándose hasta el final del disco.
Mención aparte merecen “Trinity MCMXLV 0530", con una letra inspirada en el final de la Segunda Guerra Mundial o "Faerie Tale” -un cuento de hadas donde éstas son sustituidas por "demons, death and misery" en un país de las maravillas llamado Infierno.

Después de su disco de 1992 “The Waste Lands”, Demolition Man abandonaria la banda y el trío original volvería a reunirse para grabar su álbum de 1997 “Cast in Stone”, 12 años después de su separación. Desde entonces, el grupo ha sufrido numerosos cambios, malos rollos, accidentes, etc., siendo Cronos el único miembro original de la banda bajo el nombre Venom. Paralelamente, Jeff Dunn “Mantas” y Tony Dolan “Demolition Man” mantienen viva su propuesta musical bajo el nombre de Venom Inc.

2001: MEGADETH “The World Needs a Hero

Formación: Dave Mustaine –guitarra, voz; David Ellefson – bajo, coros; Jimmy DeGrasso – batería; Al Pitrelli – guitarra, coros.

Después del fracaso de critica y público de su anterior disco “Risk” y de la muerte del batería Gar Samuelson, Megadeth se enfrentaba al nuevo milenio con serias dudas. Los cambios propuestos en “Risk” no habían gustado y Mustaine decidió dar marcha atrás y componer casi en solitario los 12 temas del disco, a excepción de “Promises” a medias con el nuevo guitarrista Al Pitrelli. Con una portada "marca de la casa" Vic Rattlehead (la mascota del grupo) saliendo del cuerpo de Dave Mustaine, el disco prometía buen heavy rápido y más asequible en su interior.

Este lo encontramos en temas como la inicial "Disconnect" con su riff repetitivo asoma tímidamente la velocidad que vendrá después con temas como "The World Needs a Hero", "1000 Times Goodbye", "Return to Hangar" y sobre todo el sencillo "Motor Psycho". Los momentos más pausados los encontramos en temas como "Burning Bridges", la balada "Promises", el medio tiempo "Losing My Senses" o la instrumental "Silent Scorn" -con trompeta incluida-. Como curiosidad el álbum contiene el tema más extenso de su trayectoria, "When" de 9,14 minutos.

Al año siguiente los problemas de salud de Dave provocarán un parón de la banda durante dos años y, a partir de 2004, Megadeth no han parado de sacar discos regularmente y girar continuamente. Uno de los momentos más álgidos de estos últimos años fue sin duda la gira de "The Big Four" junto Metallica, Anthrax y Slayer en 2010.

2011: HAMMERFALL “Infected”

 Formación: Joacim Cans - voz y coros; Oscar Dronjak - guitarras, teclados, coros; Pontus Norgren - guitarras, coros; Fredrik Larsson - bajo, coros; Anders Johansson - batería.

Cuando uno mira la portada de “Infected” lo primero que hace es preguntarse: ¿Dónde está Héctor y su martillo? Nunca antes Hammerfall habían publicado un disco sin él en la portada. Además ésta era muy siniestra, con una mano que se desliza por un cristal roto, todo muy oscuro. Parecía pues, que podíamos estar ante un cambio en el estilo de la banda, pero nada que el tiempo no volviera a poner en su sitio. Héctor volverá a aparecer en el single "Send Me a Sign".

Lo que es evidente es que el sonido se presenta más pesado, en algunos momentos la batería deja atrás la velocidad dando crudeza a algunos temas y las guitarras se ralentizan.

El álbum se abre con gritos, cristales rotos, los quejidos de los zombies y las alarmas que nos introducen en "Patient Zero". Se acaba de desatar la invasión zombie y las guitarras pesadas se hacen eco de ello. Esta temática zombie la encontraremos en varios temas como "Patient Zero" o "El día de los Muertos" -con ese estribillo medio en español-. Los "temazos" para ser cantados en directo tienen su momento con "Bang Your Head" y "Let's Get it On". "One More Time" es otro tema increíble, con su divertido video. La rapidez es la característica más destacable en temas como"The Outlaw"o"Inmortalized". "Send me a sign" es la bella balada, "I Refuse" un gran medio tiempo y la final "Redemption" se destaca como el tema más progresivo del disco.

Actualmente la banda goza de una excelente salud y tiene proyectada una gira por Europa junto a Helloween para 2022. El 8 de abril estarán en Madrid y el 9, en Barcelona presentado su próximo álbum.

 

En este abril hemos querido rescatar algunos discos muy interesantes y de diferente estilo. Grand Funk es la propuesta más suave del repóquer de ases que traemos este mes. Su hard rock inundaba las radios americanas a principios de los 70 y de su éxito daban fe los multitudinarios conciertos de la banda. Los 80 son para Barón Rojo, su disco de debut supuso un antes y un después para el heavy metal español siendo durante mucho tiempo nuestra banda más internacional.

Llegamos a los 1991 de la mano del cuarto disco de U.D.O., la banda formada por Udo Dirkschneider después de su salida de Accept. A principios de siglo, Fear Factory seguían publicando excelentes discos con su característico sonido más industrial. Y volvemos a España de la mano de Warcry y su magnífico álbum "Alfa", con alguna novedad en su formación.

         1971: Grand Funk Railroad: "Survival"

Formación: Mark Farner, voz, guitarra, armónica y teclados; Mel Schacher, bajo y Don Brewer – voz, batería.

Después de su doble disco en directo de 1970, la banda americana de hard rock Grand Funk Railroad se veía en la obligación de sacar material nuevo. Quizá de forma algo precipitada, en abril lanzaban este "Survival". Apenas cinco temas propios y dos versiones: “Feelin’ Alright”, de la banda Traffic y “Gimme Shelter” de The Rolling Stones. Curiosamente, estas dos versiones fueron los temas elegidos como sencillos, superando en las listas de éxito las posiciones de los temas originales.

Las canciones invitan a vivir en el campo como la inicial "Country Road" - con guiño incluido a la guerra del Vietnam: Too much killin' and too many wars- , a despreciar la posesión material del dinero “All You’ve Got is Money” - mezcla de rock y funk, muy pegadiza- y pedir la libertad personal en “I Want Freedom”.  En este último tema dejaron intactos los dos primeros minutos en los que los músicos están hablando sobre cómo ha de ir la canción, hasta que ésta arranca. Una extensa charla entre niños introduce “I Can Feel Him in the Morning”, otro de los temas más interesantes junto a "I Want Freedom". Y "Comfort Me" cumple perfectamente su papel de semi-balada del disco.

A pesar de la brevedad del disco, los temas parecen haber sido mucho más trabajado que nunca, son menos directos o accesibles pero cargados de matices. Sus temas más conocidos vendrían años después: "We're An American Band" (1973) o "Bad Time" (1974) o sus versiones de The Loco-Motion (1974) o "Some Kind Of Wonderful"(1974).

La banda aún sigue en activo en 2021, con Mel y Don como miembros originales e incluyendo a nombres tan conocidos como Bruce Kulick y Max Carl a las guitarras junto a Tim Cashion a los teclados.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ABRIL DEL ’71: The Doors - 'L.A. Woman', The Rolling Stones - 'Sticky Fingers', Caravan - 'In the Land of Grey and Pink', Tangerine Dream - 'Alpha Centauri'.

              1981: BARON ROJO: "Larga Vida al Rock

Formación: Carlos de Castro - voz, guitarra; Armando de Castro - Guitarra, voz; Hermes Calabria, batería;  José Luis Campuzano, bajo y voz.

Apenas habían pasado dos meses desde el susto del intento de golpe de estado del 23 de febrero, la juventud roquera del país se despertaba con la publicación del álbum de debut de una de las bandas más influyentes del heavy español. Barón Rojo publicaban "Larga vida al rock and roll" el 27 de abril a través del sello mítico Chapa Discos. Visto desde la distancia del tiempo, es indudable que se trataba de una buena época para la música, había ganas de libertad y en Madrid, los músicos gozaban del apoyo incondicional de su alcalde, el querido y respetado socialista Enrique Tierno Galván. Además, la "movida madrileña" empezaba a destacar exitosamente.

Dentro de la icónica portada, con esa pantalla de juego de marcianitos, se esconden un buen puñado de clásicos del grupo y por extensión, del metal nacional. El álbum se abre con el clásico "Con Botas Sucias" o lo que es lo mismo, la canción dedicada a la la discográfica CBS. De todos es conocido que los hermanos De Castro se marcharon de su anterior grupo Coz después de discrepancias con la discográfica y acabaron formando Baron Rojo. "Anda suelto Satanas", la versión del tema de Luís Eduardo Aute, es un potente rock más clásico con una línea de bajo muy marcada y esa slide con la guitarra.  "El pobre", con esa base tan característica es el reflejo del momento histórico de la época: la educación, el trabajo y la vocación musical. También lo es "El Presidente" en cuanto a la política. La crítica musical aparece en "Los desertores del Rock", el elogio al Rock en "Larga Vida al Rock & Roll", la vida urbana en "Chica de la Ciudad" para llegar al tema estrella: "Baron Rojo", tema dedicado a  piloto alemán Manfred von Richtofen.

La formación original duraría hasta 1990, momento en que José Luis Campuzano y Hermes Calabria abandonaron el grupo. Desde entonces, un sinfín de músicos ha acompañado a los hermanos De Castro en su andadura musical como Barón Rojo. Desde entonces sólo se ha producido un paréntesis: una gira de celebración del 30 aniversario de la banda, llevada a cabo entre 2010 y 2011 por los cuatro barones originales.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ABRIL DEL ’81: Van Halen - "Fair Warning"; Whitesnake - "Come an' Get It"; Tygers of Pan Tang - "Spellbound"; Girlschool - "Hit and Run".

        1991: U.D.O. "Timebomb"

Formación:Udo Dirkschneider: voz, Mathias Dieth: guitarra eléctrica, Thomas Smuszynski: bajo Stefan Schwarzmann: batería.

El cuarto álbum de U.D.O. cambia notablemente el sonido de su antecesor "Faceless World", si aquel abrigaba el sonido americano de la época, con "Timebomb" no se daba tregua al descanso y ni tan siquiera tenía ninguna balada. Álbum cargado de fuerza y agresividad, destacan por la velocidad temas como "Metal Eater", "Burning Heat", "Timebomb" o "Soldiers of Darkness", la fuerza de "Thunderforce" o "Back in Pain" y los ritmos machacones marca de la casa de "Metal Maniac Master Mind". El peso de este álbum en el repertorio en directo de la banda es más bien escaso y actualmente se limita al tema "Timebomb".

Udo había consolidado su proyecto en solitario al margen total de Accept, pero dos hechos cambiarían el rumbo de la historia: en 1990 se publicaba el magnífico directo de Accept "Staying a life", con gran éxito y en 1992, Wolf convence a Udo y a Stefan Kaufmann para reunirse. De aquí saldrán "Objection Overruled", "Death Row" y "Predator" de Accept y un parón de U.D.O. de varios años.

Con 69 años, nuevo disco en directo y nuevo proyecto con sus antiguos compañeros de Accept, Peter Baltes y Stefan Kaufmann, Udo tiene cuerda para rato y ya planea gira para 2021 a pesar de la pandemia.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ABRIL DEL ’91: Tyketto - "Don't Come Easy"; Heathen - "Victims of Deception; Paradise Lost - "Gothic"; Running Wild - "Blazon Stone"

     2001: FEAR FACTORY "Digimortal"

Formación: Burton C. Bell − Voz; Dino Cazares − Guitarra; Christian Olde Wolbers − Bajo; Raymond Herrera − Batería.

Después de unos discos espectaculares como "Demanufacture" (y su versión de remezclas "Remanufacture" y "Obsolete" le tocaba el turno al cuarto trabajo (sin contar remezclas) de Fear Factory. El sonido moderno que había conseguido tantos seguidores continuaba siendo marca de la casa pero se le habían añadido sonidos procedentes del Nu Metal: (véase "No One", "Linchpin" o "Invisible Wounds"), tan de moda en esos años y del hip hop (véase "Back to Fuck Up"). Se buscaba descaradamente una mayor comercialidad del todo entendible pues por fin eran considerados uno de los grandes grupos del nuevo metal.

Otra de las rarezas de este disco la encontramos en la casi balada "Dark Bodies". El vídeo del tema "Lichpin" fue el último en el que aparecieron los miembros originales del grupo. Las tensiones por los cambios en la dirección musical en "Digimortal" provocaron la separación de la banda en 2002 para volver a reunirse a finales de año sin Dino Cazares. Pero el álbum, a pesar de lo que comportó de cambios, siguen siendo muy bien valorado por sus seguidores y en sus directos suelen aparecer temas como "Damaged" y "What Will Become?"

Tras varios discos, en 2009 Dino Cazares regresaría al grupo para participar en "Mechanize". Su último álbum "Genesus" tiene ya 6 años, pero parece ser que el día 16 de abril tendremos el primer tema grabado en 6 años, adelanto de su próximo disco.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ABRIL DEL ’01: WASP- "Unholy Terror"; Bon Jovi - "One Wild Night Live 1985-2001"; Halford - "Live Insurrection" ; Rammstein - "Mutter" 

                      2011: WARCRY "Alfa"

Formación: Víctor García – voz, Rafael Yugueros – Batería, Roberto García – Bajo, Pablo García – guitarrista y Santi Novoa – teclados.

En tiempos más sencillos, nos encontramos con discos de metal español que se quedaron grabados en nuestra memoria. Como es el caso de la banda asturiana con su disco “Alfa”. Este fue lanzado el 15 de abril de 2011 con una estructura de diez temas y editado por Jaus Records. Fue una época en la que además Warcry atravesaba por ciertos cambios. “Alfa” fue el primer disco que lanzó Warcry con Pablo García como único guitarrista tras la salida de José Rubio en 2009. Y el primero en el que participaba Santi Novoa como teclista en su composición.

En contraste con otros discos donde contaban historias más épicas, en este disco Warcry mostraba letras reflexivas e introspectivas tratando temas delicados como son el abuso o más emocionales como son la amistad. Todo esto junto a riffs de guitarras y baterías rápidas, así como sonidos melódicos, introduciendo pasajes armónicos de teclados y una vocal tan potente como es la de Victor García. Demostrando su profesionalidad, la formación desataba de nuevo diez canciones en las que nos dejaron temas que pasarían a la historia como sonCobarde”, “Libre Como El Viento”, “La Muerte De Un Sueño” o “Alma de Conquistador”.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ABRIL DEL ’11: Foo Fighters - 'Wasting Light', Explosions in the Sky - 'Take Care, Take Care, Take Care', Thursday - 'No Devolución', Ulver - 'Wars of the Roses', Septicflesh - 'The Great Mass'

 

Morphium-The-Fall-Art-Gates-Records-2021La cuarta entrega de Morphium, “The Fall” fue publicado el pasado 26 de marzo a través del sello discográfico Art Gates Records. Para todos, el año pasado fue un año de desgaste, recesos, y dificultades pero en las que hemos resistido e incluso con más fortaleza si cabe. Esto mismo es lo que me transmite el nuevo disco “The Fall” de Morphium.

Siguiendo por levantarnos y enfrentarnos a los obstáculos que nos sigue dando este 2021; donde parece que todavía cuesta arrancar con nuestra propia normalidad; nos hemos encontrado con la cuarta entrega de Morphium para transmitirnos justo el carácter necesario para seguir en pie.

Recientemente, Alex Bace nos comentaba en la entrevista que: “La música es el lenguaje del alma”. Y realmente podemos admitir que ellos lo han demostrado, entregando en un total de 12 nuevos temas; toda la agresividad, rabia, y pensamientos que han tenido a lo largo de todo el proceso compositivo.

En el nuevo LP, la banda ha logrado incorporar cierta frescura y madurez con las nuevas incorporaciones de Javi Delgado a la guitarra, Sergi Rivera al bajo y Sebas Limongi a la batería que terminan destacando debido a la sinergia que tienen entre todos ellos.

El nuevo disco comienza con el potente tema, “Dance Of Flies”; donde la voz rasgada de Alex Bace nos da la bienvenida de una forma oscura, para terminar arrancando con un ritmo más pesado y contundente. Desde este primer tema ya nos entregan pasajes más agresivos y pasajes más melódicos, una combinación que consiguen encajar con un gran resultado.

“The Truth”, sigue esa línea musical de entremezclar atmosferas más agresivas con otras más serenas, donde vemos la capacidad de registros vocales tan abierta que posee Alex, y una gran entrada de bajo por parte de Sergi. Y si hablamos de transmitir emoción, para mí, “Parasite” es una de las que más llega a hacerlo, todo el tema lírico trasciende en su mensaje, siguiendo con la particular amalgama de sonidos donde la banda se deja llevar.

“Everybody Is Dead In This House”, desprende todo el carisma de la banda, destacando la agresividad que quieren transmitir, una enérgica rabia muy característica del estilo de Morphium, donde además nos encontramos un sonido que realmente coquetea con el metalcore; duros riffs de guitarra, y una voz muy gutural, y rasgada muy notable. La siguiente, “Burn My Skin” tiene un ambiente algo más calmado, pero sin olvidarnos de las voces rasgadas y unas guitarras muy virtuosas. La colaboración de Mära Lisenko aporta una gran personalidad al tema; llegando a complementarse perfectamente con los registros vocales de Alex Bace.

“Insorcism” es otro corte potente, con unas estrofas duras y un ritmo muy marcado por la batería de Sebas Limongi; una composición donde se puede llegar a notar la sinergia entre todos los componentes de Morphium.

Siguiendo la línea más emotiva y serena prosigue “Black Soul”; una composición excelente ya que se transmite toda esa angustia rompedora que la banda pretende transmitir mediante melodías. En línea con el pensamiento de que la música es el lenguaje del alma, no han dejado atisbo de duda con este tema en cuanto a emociones se trata. Muy de cerca le sigue, “My Apocalypse”, ya que continuamos con las melodías propias de Morphium; donde se trascienden emociones rotas pero intensas, muy destacable el solo de guitarra añadido, ya que engrandece el potencial de la composición.

“Something Dead Inside” es uno de los cortes más pegadizos y rítmicos que posee “The Fall”, donde además se le da un buen protagonismo a la lírica del tema con un carácter personal e interior. Una composición con el que muchos podemos sentirnos identificados y que en discos que tienen una gran acogida, como esta siendo “The Fall” no podía faltar esta particularidad.

“Past” tiene una atmósfera más ambiental y serena, con una duración muy corta, de unos dos minutos y medio. Un pequeño descanso para dar paso a “Tired” que se abre paso de forma muy directa. Una invitación para soltar toda la angustia, y ansiedad de la forma más rompedora posible. Toda la fuerza y descaro que posee el tema tienen un efecto muy notable, y será realmente interesante verlo en directo.

Para cerrar el disco, Morphium ha elegido el tema homónimo basado en un outro elaborado por Marco Papiz. Personalmente no termino de cogerle el encanto a esta pista como cierre, ya que considero que tiene temas que hubieran sido una mejor opción para cerrar el disco.

Tras el último lanzamiento de la banda, “The Blackout” (2016), Morphium se alza con una gran entrega, con un sonido muy directo y arrollador donde resulta sobresaliente la calidad de producción realizada por Eugenio Fresco y Gorka Dresbaj.

En “The Fall” nos encontramos con grandes temas como “Parasite”, “Burn My Skin”, “Everybody Is Dead In The House” o “Blacksoul”. La formación ha encontrado el puente exacto entre la agresividad y melodía que quieren encajar en su cuarta entrega; encontrando la complicidad necesaria entre las dos partes; para volcarla en su característico estilo y consiguiendo transmitir todo lo que querían enseñar con su nuevo disco.

Morphium - "The Fall" Tracklist:

1. Dance Of Flies
2. The Truth
3. Parasite
4. Everybody Is Dead In This House
5. Burn My Skin feat Mâra Lisenko
6. Insorcism
7. Blacksoul
8. My Apocalypse
9. Something Dead Inside
10. Past
11. Tired
12. The Fall

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

Entrevista realizada a Alex Bace, puedes escucharla en este enlace.

Más información en su página oficial.

nova-era-the-curse-2021 Nova Era nos entrega un nuevo retorno con “The Curse”, además de mucha potencia a lo largo de 8 temas, la formación se muestra enérgica y con mucha pasión que volcar a lo largo de nuevas composiciones musicales.

El disco fue publicado el pasado día 26 de marzo, a través de Demons Records . Este nuevo disco muestra una continuación del último álbum “The Fight” (2014) publicado como “Jose Rubio’s Nova Era”. Ahora, con un cierto cambio de nombre además, no podemos si no estar convencidos de que las nuevas caras que muestra la banda, como Robert Beade a la guitarra, Javi García al Bajo y Javier González a la batería han sabido adaptarse totalmente al resto de los integrantes para marcarse un regreso por todo lo alto.

El disco no solo muestra las faceta más profesional y motivadora de toda la banda, sino que además se han centrado en un contenido muy interesante que conocer. Sin ser un álbum conceptual, todas sus canciones muestran una relación entre ellas; Nova Era se centra en las etapas de la vida humana para su nuevo disco. Una forma muy particular de devolverle la vida al proyecto muy bien elaborada.

“The Curse” comienza con “Born To Die”, un tema de apertura muy acertado ya que transmite pura energía. Un estilo muy heavy, con grandes riffs de guitarra. Y con un mensaje muy claro, hemos nacido para morir pero debemos seguir. Un mensaje que Fran Vázquez eleva con sus tonos más agudos dotándolo de una gran personalidad.

“Slaves”, ¿Quién no se ha sentido alguna vez esclavo de su vida? El tema posee un ritmo más marcado, muy rítmico. Un tema muy ágil y accesible de escuchar, y con un gran solo de guitarra que no deja que desear. “First Love”, es un gran apartado que no se puede dejar escapar; hablando de las etapas de una vida humana. Es un corte más ochentero, melódico y con atmósferas más serenas, donde Fran Vázquez deja pasar su faceta más hardrockera y nos demuestra una vez más, que tiene registros vocales para todo.

“Run For Your Life” es una de las composiciones más llamativas del disco, un tema muy carismático. Comenzando con una intro más oscura donde el bajo toma protagonismo. La intro da paso a pasajes muy power metaleros marcados por guitarras rápidas, un excelente trabajo por parte de Robert Beade y Jose Rubio; y un doble bombo de Javier González que no podía faltar. Tratándose de momentos en los que sentimos esa necesidad de luchar y seguir hacia delante.

“Break The Rules” y “Bite Of Freedom” son temas muy directos, donde las habilidades y la técnica de la formación al completo se pueden escuchar y visibilizar de una manera muy clara. Incluso, el teclado de Francisco Gil añade sus propios elementos otorgando cierto virtuosismo. Son temas con un estilo muy heavy, que levantan el ánimo a todo aquel que lo escuche, transmitiendo mucha fuerza y que, sin duda, tendrán una gran acogida en directos.

Cerramos el ciclo de vida humana con dos temas más centrados en la maldición de la que no podemos escapar. ¿Y qué es si no, despedirse de la vida y enfrentarse a la muerte? “Face To Face” y “The Curse” son dos temas diferentes pero con ciertas similitudes. Los dos son composiciones fuertes, con una gran potencia vocal por parte de Fran Vázquez; sobre todo en esta última. Incluyendo estribillos muy pegadizos pero a la vez con ciertas estrofas más pesadas. El ritmo es más marcado, y sigo manteniendo que el teclado es una gran aportación de personalidad para estos dos temas.

Se puede hacer un poco corto al tener solo 8 composiciones, pero Nova Era ha demostrado que para ellos, más cantidad no es significado de por sí, de calidad. Han realizado un álbum muy completo, con un sonido excelente y más personal; con muchos detalles que disfrutar.

Si para alguno de nosotros cabía alguna duda sobre cómo se complementaría toda la formación, considero que han quedado totalmente disipadas. Esta nueva entrega de Nova Era es una gran declaración de intenciones para su regreso musical, dejando marcada una gran personalidad y entregando un resultado totalmente notable como banda.

Nova Era - "The Curse" Tracklist:

Born To Die
First Love
Slaves
Run For Your Life
Break The Rules
Face To Face
The Curse

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

Bajo la etiqueta de "Traditional Heavy Metal", desde un tiempo a esta parte están saliendo numerosas bandas de calidad más que apreciable. Este es el caso del proyecto del músico americano Thomas Amoriello, llamado AMORIELLO quienes publicaron el mes pasado su disco "Dear Dark".

"Dear Dark" es un disco breve -16 minutos - pero cargado de esos sonidos ochenteros que se mezclan con teclados de los 70. Voces agudas en la onda más clásica tipo King Diamond, guitarras y teclados que recuerdan a grupos como Deep Purple. De esta mezcla surge un mini-cd de título “Dear Dark” (Querida oscuridad), segundo lanzamiento del proyecto.

El EP está lleno de heavy metal tradicional para los fans del bandas clásicas como Judas Priest, Queensryche, King Diamond, Savatage, Helloween, Sanctuary y Crimson Glory, y cuenta con la voz de la leyenda del metal brasileño Carlos Zema (Immortal Guardian). Por sus apenas 5 canciones se asoman músicos invitados de algunas de las bandas mencionadas anteriormente así como de Megadeth,  Yngwie Malmsteen, Impellitteri, Cacophony entre otros.

La apertura y homónima "Dear Dark" es una composición de heavy progresiva con marcado protagonismo del teclado a lo Perfect Strangers, el riff de guitarra se va repitiendo y machacando mientras la voz de Carlos Zema eleva los agudos al cielo.

La segunda composición, "This Burning Evil", es más "pesada", con menos teclados y menos elementos progresivos, mientras que las voces clásicas como la de Dio. Inicio más pausado, batería y bajo, la voz se hace más grave y agresiva y el ritmo va manteniendo su pesadez hasta el final.

El siguiente es el instrumental, "Thirty Four Strings of Fury"  Una introducción “oscura” con el cambio de ritmo arrancan la batería y los “solos” de los invitados  (Ronni LeTekro –  Solo de guitarra  | Glen Drover – Solo de guitarra  | Alex Masi –  Solo de guitarra | Toby Knapp – Solo de guitarra ).

"Magic Wand" es el cuarto tema, con una introducción onírica en forma de pesadilla que bien podría formar parte de alguna banda sonora y a continuación, unas voces mezcladas, confusas, enloquecidas. La canción trae a la memoria a la perfección la atmósfera de las canciónes de King Diamond. Con "Milan’s Dream" se acaba el breve disco. Se trata de una balada acústica de un minuto y medio ".

Dear Dark, This Burning Evil, Thirty Four Strings Of Fury y Milan’s Dream han sido producidos y mezclados por Luke DeMuro (Underground Sound NJ, Brooklyn, NY). Magic Wand (Abracadabra) ha sido producido, mezclado y las guitarras fueron grabadas por Nick Perez (Clinton, Nueva Jersey).

El EP fue masterizado por Mark Trewella (Full Circle Mastering, Black Mountain, NC) con ilustraciones de Juan M. Bello.

Band links: Official Website | Facebook | Youtube | On Sliptrick

Heleven-Into-The-Oceans-Art-Gates-2021Volviendo a comentar discos que van a dejar muy alto el listón de este 2021, hago otra referencia. La nueva entrega de Heleven, “Into The Oceans”, se publicó el pasado 12 de marzo a través de Art Gates Records.

Para mí ha sido uno de los discos que más estoy disfrutando, me hace recordar que a pesar de que 2020 haya sido un año tan paralizado y complicado como ha sido. Por otra parte, nos ha dejado momentos de reinventarse y de mejorar. Una clara demostración de todo esto, es el nuevo disco de Heleven.

La banda se ha superado con creces, ha crecido exponencialmente como músicos tanto de forma grupal como individual. Si nos ponemos un poco más en contexto, recordaré que la banda lanzó su debut en 2019, “Medusa’s Love Story” y realizó una gran gira nacional. Tras el éxito que esto les dio, han firmado con el conocido sello discográfico Art Gates Records y han sido nombrados artistas de la marca PRS Guitars Pulse Artist.

Heleven se ha ganado todo un reconocimiento tras toda la dedicación que han tenido en su carrera como profesionales, pero además ahora publican “Into The Oceans”; un disco en el que han cuidado cada detalle y se han volcado por completo en crear un nuevo álbum que conectará con todos aquellos que puedan escucharlos.

Heleven – Into The Oceans

El nuevo disco está estructurado en 10 composiciones en el que se muestra la evolución y la profesionalidad de la banda. Si dedicas tiempo a conocer su discografía, puedes notar en “Into The Oceans” una característica a tener en cuenta; han sabido pulir su sonido y lo que quieren transmitir con él.

El álbum es todo un viaje a través de pasajes y atmósferas modernas, alternativas, además acompañado de melodías y sensaciones que te atrapan. Llegan a ser emotivas, conmovedoras pero también angustiosas y duras, tratando sobre temas tan sensibles y actuales como pueden ser la ansiedad, la depresión y la superación personal. “Into The Oceans” llega a golpearte de muchas formas.

“Escape Room” es uno de los temas más contundentes y cañeros del disco en un ambiente oscuro. Una muy buena elección como presentación del disco. “Into The Oceans”, el tema homónimo del disco es excelente, siguiendo con esa temática oscura descrita anteriormente. Marca una sensación de angustia que además representa bastante bien el videoclip que realizó la banda para el tema. Todos los elementos que tiene están muy bien combinados, desarrollando un tema muy destacable.

En “Lesson Learned”, la desgarradora voz de Higinio se vuelve protagonista; intercalando algunos pasajes con una voz más serena. Dan lugar a pasajes más duros con mucha contundencia al bajo. Aquí podemos ver una clara influencia a grunge dentro del disco.

La balada del disco, “The Wings I Need To Fly” tiene muchas particularidades. Es todo un respiro en el disco. Además, no es una balada como a la que estamos acostumbrados, ni de forma lírica ni musical. Es una melodía donde la banda ha arriesgado y ha innovado, transmite un sentimiento melancólico muy distinguido, y remarca las habilidades de la banda, no solo en una faceta más oscura, sino sabiendo expresar y transmitir un sentimiento más complejo.

“Broken” y “Down” siguen la línea musical que se marca en el disco con estrofas pesadas, donde la batería marca el sentido de los ritmos, y la banda se complementa con mucha madurez. Añadiendo además estribillos muy peculiares que querrás escuchar más de una vez.

Otra de las composiciones que destacan es “Mistakes”. Tiene una atmósfera muy propia, el tema es muy introspectivo y con una sensación muy abrumadora. El buen trabajo de las guitarras de Higinio y Álvaro, y la batería de Matías es sorprendente, y particularmente, me recuerda a pasajes de bandas como Leprous, sin dejar nada que desear.

El tema “Promised Land” es muy muy remarcable en este disco, la formación desde su inicio hasta el final te guía por los pasajes de este tema, un auténtico viaje. El tema deja que cada uno de ellos se muestre de forma individual, pero también lo bien se compenetran juntos; cada pasaje es diferente sin llegar a cansar. Sin ser excesivos en los detalles que tiene, realzan la personalidad del tema desde su prometedora entrada. Es una composición en la que arriesgan, apuntan alto y lo consiguen.

“Rise Again” es un interludio muy ambiental y sereno, que complementa bastante bien al cierre del disco, “The Hurricane”. Un cierre impresionante, con mucha fuerza e intensidad; unas bases rítmicas muy potentes y mucha energía en la parte vocal. El crecimiento de la formación vuelve a remarcarse siendo una de las composiciones en las que más se notan las habilidades de Heleven.

Sinceramente, casi estuve a punto de no incluir una conclusión de esta review, pues temas como “The Hurricane”, “Promised Land” o “Into The Oceans” hablan por sí solas, mostrando todo lo que yo podría decir para cerrar esta reseña. Pero en definitiva, el álbum es muy singular; representando la esencia por completo de Heleven. Por supuesto, tienen influencias a bandas como Gojira, Alice In Chains o Alter Bridge, pero dentro del metal alternativo, han conseguido diferenciar su sonido y con “Into The Oceans”, realizar un álbum carismático que destaca notablemente la personalidad de la banda.

Into The Oceans Tracklist:

Escape Room
Into The Oceans
Lesson Learned
The Wings I Need To Fly
Broken
Mistakes
Down
Promised Land
Rise Again
The Hurricane

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

Si quieres conocer más detalles del disco, puedes ver la primera parte del Making Of aquí.

 

kolectivo-suicida-2021-volverAyer, 19 de marzo, Kolectivo Suicida publicaba su nuevo álbum “Volver” a través de On Fire Records. Ya por sí solo, el título de la nueva entrega es toda una declaración de intenciones, puesto que su última entrega fue “Welcome To Olga’s Place” en 2015.

La banda dejaba claro que necesita darse un momento de respiro profesional para volver a componer y entregar a los seguidores nuevas composiciones de su metal urbano.

“Volver” está compuesto por una intro y 9 temas con mucha garra y temperamento; en este disco vuelven a recoger el sonido de sus orígenes con determinación, mostrándose cómodos y cumpliendo con las expectativas de disfrutar creando música de nuevo.

El disco comienza con una intro muy sencilla para dar paso a un tema más dinámico, “Bienvenidos a la Batalla”. Con la fuerte personalidad de este tema, se comienza a escuchar la declaración de intenciones que comentamos antes; Kolectivo Suicida vuelve con firmeza.

“Revolución” es todavía más enérgica con un estribillo muy pegadizo y un dinamismo que te atrapa. No hay duda de que es un “buen bocado” en este álbum. Tras este sigue, “Volver” que además da nombre al título del disco. Fue uno de los primeros adelantos de Kolectivo Suicida, estrenando el tema con un videoclip donde Laura Perera añade un toque muy llamativo y bonito por sus pasos de danza. Es sencillo, pero me atrevería a decir que a la vez tiene un carácter muy personal para la banda.

“Despertar” puede sorprender, es un tema con mucha variación. En un principio, la formación quiere mostrar un matiz más calmado y emotivo, pero a partir de los dos minutos la banda se arranca añadiendo la voz más rasgada de Manu y una participación más protagonista de Maxi a la batería. Es una transición muy natural, a la que siguen Dani al bajo, y Raúl y Alberto a las guitarras de forma más rítmica, unos riffs bien marcados que además son la antesala de un solo de guitarra que aumenta el carisma del tema.

“Crucificado” es un tema que deja un claro ejemplo de ciertas influencias de la banda. Personalmente, me recuerdan mucho a temas de Soziedad Alkoholika o incluso Ska-P; un tema muy roquero pero a la que añaden ciertos toques punk.

¿Más ejemplos del carisma de Kolectivo Suicida? “No quiero Ser Uno Más”, es uno de los temas que más he disfrutado de este disco, un tema mucho más cañero. Compuesto con tonos más pesados, donde la batería y el bajo se vuelcan por completo. Llega a ser el más “metalero” del disco, recordándome a riffs metaleros de los 90.

“Tras el Muro” es contundente pero añadiendo cierta melodía vocal que le diferencia. Si indagamos más, este tema muestra cierta rabia, decepción y agresividad que han querido mostrar en sus letras. Kolectivo Suicida no solo se centra en componer música que no te deje indiferente, además sus letras pueden llegar a transmitir fuertes críticas en las que muchos nos podamos sentir identificados.

Para ir finalizando con el nuevo álbum, nos encontramos con “Bailando Con La Tempestad” y “Entre La Oscuridad”. La primera comienza con un pasaje muy similar a “Tras el Muro”, añadiendo melodía pero siguiendo tonos más duros, para continuar a partir del tercer minuto, añaden pura melodía al tema, una atmósfera más serena. Para terminar vuelve a los pasajes duros del principio. Te deja un poco desconcertado ya que parece que has cambiado de canción pero todos estos cambios están acordes con el título; “Bailando Con La Tempestad”. Me parece una estructura muy particular.

El cierre lo da “Entre La Oscuridad”, un tema melódico con un ambiente tranquilo, acompañado de guitarra y una bella orquestación. En mi opinión, creo que no es un buen cierre del disco, creo que en este caso, Kolectivo Suicida tendría que haber cerrado por todo lo alto. El disco es una vuelta a componer música de nuevo, en muchos de los temas que contienen la actitud de la banda lo dejan ver claramente, por lo que hubiera visto mejor un cierre más enérgico. Pero en definitiva, todo es cuestión de gustos.

La vuelta de Kolectivo Suicida con “Volver”, me parece muy interesante. El disco tiene temas muy notables como son “Revolución”, “Crucificado” o “No Quiero Ser Uno Más”. Tienen elementos para todos los gustos, más duros, más rítmicos y roqueros. Tampoco le falta emotividad, eso hace que sea un disco completo y llamativo. La formación vuelve con un sonido muy personal y propio; con una actitud muy motivadora y nos hacen partícipes de ello con esta nueva entrega.

Kolectivo Suicida - "Volver" Tracklist:

1. Intro
2. Bienvenidos a la Batalla
3. Revolución
4. Volver
5. Despertar
6. Crucificado
7. No Quiero ser uno más
8. Tras el Muro
9. Bailando con la tempestad
10. Entre la Oscuridad

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

Headon-GenesisHace apenas unas semanas, Headon publicaba su nueva entrega musical, “Genesis” a través de On Fire Records. Estoy segura de que para muchos uno de los discos que mejor se han recibido en este primer trimestre del año. En un conjunto de 11 composiciones, la formación ha plasmado toda la fuerza y motivación que tienen actualmente.

Grabado a cargo de Higinio Ruiz de Three Monkeys Studio y Javi Perera; este disco viene pisando tan fuerte que llega a superar a sus anteriores entregas en cuanto a sonido y determinación de la banda.

En cuanto a sus temas, nos encontramos con composiciones directas, muy accesibles y que no dejan indiferente a todo aquel que disfrute con el heavy metal español.

Vamos a entrar en detalles:

El disco entra con “Estoy Aquí”; toda una demostración de lo comentado anteriormente. Una estructura rápida y enérgica; muy bien elegida para darte la bienvenida y que sabe captar tu atención. “Sombras” es algo más contundente y oscuro. Muestra un contraste que no deja nada que desear. La combinación entre una voz tan clara y melódica como es la de Andy y los guturales que Higinio Ruiz (Heleven) aporta a los coros hacen una combinación que aporta exactamente esa sensación de “oscuridad” que se buscaba.

En este disco existen más detalles, si nos fijamos en las colaboraciones, podemos darnos cuenta de que este álbum demuestra la conexión (podríamos llamarlo hermandad también) que tiene Headon con bandas como Deblér, Daeria o Adamantia.

Ejemplo de ello nos da el tema “Revolución”, en la que Rubén Kelsen (Debler), Ángel Ortiz (Daeria) y Andy Martínez se acompañan, creando un pasaje muy característico durante todo el tema. La armonía que existe entre ellos se hace notar por completo.

“Hasta el Final” es un tema más tranquilo, donde las melodías se abren paso con un mensaje muy positivo, aunque personalmente no me parezca uno de los temas que más destacaría del disco, cierto es que la interpretación de Carly Pajarón eleva la personalidad de la composición.

Por otra parte, nos encontramos con “Fuego”, toda la estructura me parece excelente. El equilibrio que se crea con Carmen Xina (Adamantia) y Andy es muy adecuada. Destaco además que la composición está muy bien realizada, tenían claro que querían transmitir y una vez más se enfatiza la comunión que entre todos ellos.

“Inmortal” es otro de los temas que vuelven a impresionar en cuanto a plasmar emociones enérgicas. La contundencia del mensaje es clara, no solo a la voz de Andy, sino también en las interpretaciones de Jota Ortuño y Ube Madrid a las guitarras. Totalmente diferente a esto es “Abre Tus Alas”, donde nos encontramos el lado emocional de Headon. Voz acompañada de piano. En baladas como estas, surge la complicación, las emociones deben transmitirse y relacionarse con aquel que te escucha, Andy consigue emocionar de forma muy elegante.

Siguiendo de nueva con la energía que Headon ha querido transmitir con esta disco continua “Sigo En Pie”, no le falta nada al tema, contando con riffs con mucha fuerza y vitalidad. Muy de la línea de “Estoy Aquí”. “Sentencia” tiene una atmosfera más pesada pero intensa, con tonos más bajos, donde considero que Carly Pajarón se vuelve protagonista con su línea de batería. Un tema muy llamativo donde la banda muestra su faceta más alternativa.

Para finalizar, Headon guarda otro contraste muy destacable entre “Tu Canción” y “Asphixia”. “Tu Canción” es un tema muy melódico, con mucho sentimiento y una letra muy nostálgica. Aunque lo que más destacaría de este tema, sin duda alguna, es el solo de guitarra que aumenta la intensidad totalmente.

Mientras “Asphixia”, cierra el disco con unos pasajes más modernos y complejos. Acompañados por Javi Perera; todos dan rienda suelta a sus habilidades, los detalles electrónicos, los riffs más agresivos y los guturales hacen que este sea un tema extraordinario, un cierre por todo lo alto que no te cansarás de escuchar.

Para mí, temas como “Asphixia”, “Fuego”, “Inmortal” y “Sombras” son de las más destacables del disco. Pero está claro que “Génesis” contiene mucho más detrás de toda su estructura musical, no solo es un disco que muestra vivacidad y emoción, sino que se puede sentir toda la pasión y dedicación musical de la banda. La formación cada vez se muestra más fuertemente consolidada y queda demostrado; Headon ha comenzado fuerte este nuevo año con un nuevo disco que les abrirá muchas puertas.

Headon – ‘Génesis’ Tracklist:

01.Estoy Aquí
02.Sombras
03.Revolución
04.Hasta El Final
05.Fuego
06.Inmortal
07.Abre Tus Alas
08.Sigo En Pie
09.Sentencia
10.Tu Canción
11.Asphyxia

Puedes hacerte con el disco en este enlace.

En forma de Black Metal llega una nueva daga asesina contra la religión y las ideologías impuestas. Desde Dinamarca, el dúo formado por Phillip Kaaber y Martin Rubini, LOTAN, nos traen un sonido cercano a bandas como Marduk, Naglfar o Rotting Christ. Un sonido que se maneja entre la línea que separa el black más clásico, con el de la segunda generación, con esa influencia más de los 90, pero enraizada en los 80.

En este primer asalto en formato EP, al que han llamado “Nihil Sacrum”, nos muestran, a lo largo de sus cinco cortes, un black con riffs agresivos y rápidos, a veces densos, con algunas tendencias death, incluso thrash. LOTAN impregnan sus composiciones de melodía, pero manteniendo ese sonido crudo y abrasivo, a veces pesado y contundente.

La parte vocal, que corre a cargo de Martin Rubini se muestra intensa y poderosa en todo momento, escupiendo veneno en cada una de las letras, con títulos en latín, basadas, como decía antes, en el existencialismo, y criticando duramente a la religión y las ideologías marcadas y opresoras.

Aunque este es su primer trabajo, Martin Rubini (voz) y Phillip Kaaber (guitarrista), ya dieron forma a LOTAN hace más de una década, pero su entrada en Vanir les apartó del proyecto, que han retomado el pasado 2019, y con el que han empezado en serio, con este primer “Nihil Sacrum”, al que ya han anunciado la llegada de dos Ep’s más entre 2021 y 2022.

De momento, la nota para este primer trabajo es muy alta, destacando, para mí, los temas "Tenebrae Subit", “Pulvis et Umbra Sumus”, y "Acta Non Verba".

Brujo

Lunas-Call-VoidAbre todos tus sentidos y déjate llevar por “Void”, el segundo trabajo de los británicos LUNA'S CALL.

Así de primeras, como resumen general de lo que es "Void", si cierras los ojos es como escuchar a unos Transatlantic, mezclados con Opeth, en la parte más progresiva de la banda,  y con una dosis de death metal de la vieja escuela, muy cercanos a Morbid Angel. Esto sería a groso modo la definición del sonido de la banda. Aunque meteríamos algo más, Entombed, Meshuggah... porque hay muchos cambios de sonido, muchas cosas se te vienen a la cabeza mientras navegas entre las canciones de este disco.

Han conseguido crear como la banda sonora de una película, con un sonido brutal y abrumador. Desde que arranca el primer tema "Merced's Footsteps", te das cuenta de lo grande que es este disco. Ahí ya ves el potencial de lo que esta por llegar, y sientes que lo que viene te puede sorprender.

El sonido de LUNA'S CALL se asienta sobre una base de rock y metal progresivo, influenciado por  bandas clásicas como Camel o Rush, y una importante parte de esa vena progresiva de los Opeth de los últimos años, aderezada de una dosis importante de influencias más death, combinando voces limpias con guturales.

Empezaron a mostrar "Void" de la mano del primer single "Signs", un  tema de 8 minutos muy potente, muy death en la primera mitad, pero que toma tintes más progresivos en la segunda. Un escaparate perfecto de lo que es el disco en general. Después llegaría la increíble "Solar Immolation", una exhibición de 13 minutos de tecnicismo y creatividad, y con una parte en la que el órgano hammond te hace volar por el espacio. Los últimos 3 minutos de esta canción son de quitarse el sombrero.

"Enceladus & The Life Inside" pone el punto de tranquilidad y sosiego en mitad del disco, con voces limpias, y sonidos más tranquilos, con una parte final influenciada por sonidos orientales. Volveremos a tomar aire más adelante con la corta instrumental "Silverfish"...  El inicio de "Locus" es más progresivo, con voces y guitarras limpias, pero coge fuerza de mitad en adelante, con pasajes rápidos, y de nuevo exhibición de cada uno de los instrumentos que se ponen en juego, con un alarde de tecnicismo aplastante. "In Bile They Bathe" es el más directo y extremo, sin dejar de lado esa base progresiva y técnica.

La final "Fly Further Cosmonaut" es otra de las canciones importantes de "Void". De nuevo, exhibición a lo largo de sus 9 minutos. Arranca muy contundente, con fuerza, pero va bajando poco a poco, cambiando esas voces death por voces limpias, arropadas por guitarras acústicas, para recuperar esa fuerza a mitad del tema, llevándote, sin darte cuenta, por diferentes escenarios musicales, incluso a una pequeña parte orquestada, como si fuese de una película de ciencia ficción.  Tremendo!!

Si esperas un disco de death metal progresivo al uso, este "Void" no es para ti. LUNA'S CALL, en mi opinión, es una banda que arriesga mucho con su sonido. o no... Es lo que buscan, lo que quieren ofrecer por sus convicciones musicales. Cuando creas una obra de este calibre, es porque tienes una visión muy amplia de lo que es la música, y cuales son tus influencias. Si yo fuese músico de  LUNA'S CALL, estaría orgulloso de haber parido estas canciones. Y estoy seguro de que ellos lo están. Destacar a uno de ellos en este álbum sería injusto. Cada uno esta perfecto en su sitio. Eso si,  Brad Laver (bajo y voces), Neil Purdy (voz y guitarra), Jamie Batt (bateria y voces), y Liam Underdown (guitarras)...

Gracias por "Void"

J. A. Marroqui "Brujo"

anneke-van-giersbergen-the-darkest-skies-are-the-brightestAntes de comenzar esta reseña, puedo decir que involucrarme en realizar una review de esta entrega me ha costado bastante, pues Anneke van Giersbergen ha hecho un disco muy personal. Puedes esperarte muchas cosas de ella puesto que ha cantado y colaborado con increíbles músicos como Sharon del Adel, Arjen Lucassen, Devin Townsen o Danny Cavanagh.

Es innegable las habilidades musicales que esta artista tiene, así como su trayectoria musical. Pero en 'The Darkest Skies Are The Brightest', la neerlandesa eleva sus composiciones a un punto mucho más personal que en cualquier otro momento de su carrera.

 Nada más empezar, el título quiere darnos un impulso emocional, un claro mensaje de enfrentarnos a retos personales que nos marca la vida. En su conjunto, para ella ha sido así, pues sabemos que tuvo que atravesar momentos difíciles en su matrimonio así como en sus proyectos profesionales.

Por ello ha sido complicado, resolver con delicadeza todo lo que transmite en su conjunto musical; más allá de ser temas donde radica la innovación y frescura musical. Anneke Van Giersbergen ha reflejado intenciones emocionales para con ella misma y para el resto del mundo que la escuchará y conectará con este álbum.

El disco será lanzado el próximo 26 de febrero a través de Inside Out Music, formado por once composiciones musicales. En la nueva entrega predominan los elementos melódicos, incorporando un nuevo estilo; detalles tribales que irán acompañando a las melodías que la neerlandesa nos muestra.

 El tema de apertura "Agape" es un tema totalmente sincero y reflexivo, toda una declaración de la esencia que recorre este disco por completo. Añadiendo un arreglo de cuerdas realmente hermoso.

En contraste con "Hurricane" y "I Saw A Car" es donde comienzan a notarse estos elementos tribales que comentaba anteriormente, otorgando ritmos muy característicos.

En la composición, "Losing You", la neerlandesa vuelve a hacer notable como maneja un timbre tan suave como el suyo en una estructura melancólica. 

"My Promise" fue una de mis favoritas, el ambiente melódico es sencillamente emotivo, y la dulce voz de Anneke lo hace aún más seductor acompañando otra sección de cuerdas. Junto a esta, "The Soul Knows" y "Keep It Simple", con mensajes muy íntimos y sencillos te van ir descubriendo cada pincelada que Anneke ha querido volcar en ellas. Estas son para mi de las que más destacaría de un disco tan sensible como este. 

La nueva entrega me ha traído sentimientos encontrados. Tras darle varias escuchas al disco, solo puedo preguntarme si la vocalista realmente ha arriesgado totalmente en 'The Darkest Skies Are The Brightest', pues aparte de innovar en algunos elementos musicales, creo que la nueva entrega lleva consigo formas muy simples en sus temas y quizás esperaba un poco más.

Por otro lado, conociendo la intención de Anneke de componer un disco que sea toda una declaración de emotividad no podemos negar que lo ha conseguido, y que nos arrastra con ella a todas estas sensaciones.

Anneke Van Giersbergen - ''The Darkest Skies Are The Brightest' tracklist:

 01. Agape
02. Hurricane
03. My Promise
04. I Saw A Car
05. The Soul Knows
06. The End
07. Keep It Simple
08. Lo And Behold
09. Losing You
10. Survive
11. Love You Like I Love You

Segundo domingo que dedicamos a recordar algunos de esos discos que cumplen década. En este caso nos trasladamos a febrero de 1971 de la mano de los británicos ARGENT. Recordaremos el que posiblemente sea el disco más completo de los canadienses RUSH "Moving Pictures", los noventa se lo dedicamos a MOTORHEAD cuando aún eran una formación con dos guitarristas. Visitaremos sonidos más extremos con el debut de los escandinavos 1349 y, por ultimo, valoraremos los cambios producidos en el disco  "Glorious Collision" de EVERGREY.

         1971: ARGENT: "Ring of Hands" (febrero)

Formación: Rod Argent (órgano, piano eléctrico, voz y coros) Russ Ballard (guitarra, piano, voz y coros), Jim Rodford (bajo, guitarra y coros) Robert Henrit (Batería y percusión)

Muchos conocimos a la banda a través de las versiones que otros grupos habían hecho de algunas de sus canciones, antes de por los logros de los propios ARGENT. Así pues, a algunos nos llegó antes la versión de "Hold Your Head Up" que hicieran Uriah Heep en el 89 para abrir su disco "Raging Silence" o del "God Gave Rock'n'Roll to You" versionado por KISS en el disco de 1992 "Revenge".

La banda la formó el teclista Rod Argent después de la separación de los exitosos The Zombies (vale la pena escuchar sus temas "Time of the Season" o "She's not There" para darse cuenta de la calidad de Rod como compòsitor). Junto a sus temas, ARGENT se vio enriquecido por las composiciones de otro genio, Russ Ballard, quien firmaría alguno de sus mejores temas.

"Ring of Hands" es el segundo álbum de la banda que, aunque aún no goce de grandes números uno, se trata de un trabajo muy interesante en el que se dan la mano varios estilos. En él encontramos temas como “Celebration” que abren la puerta a sonidos propios del AOR que vendrà con grupos como Journey. El blues aparece en“Sweet Mary”, el hard-rock fresco lo encontramos en temas como "Casty Your Spell Uranus"; la psicodelia en “Lothlorien”"Rejoice", los progresivos  "Chained" o "Pleasure" (que recuerda a los primeros Queen).

La banda conseguiría sus mayores éxitos a partir de su siguientes álbumes "All Together Now" (1972) y "In Deep" (1973).  Cesaron la actividad en 1976, aunque posteriormente se han producido alguna reuniones puntuales que no han tenido continuidad desde 2013.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN FEBRERO DEL ’71:  , 'Tago Mago' de Can, 'The Yes Album' de Yes, 'Fourth' de Soft Machine.

              1981: RUSH: "Moving Pictures"

Formación: Alex Lifeson (guitarras); Geddy Lee (bajo, teclados, voz), Neil Pearl (batería., percusión...)

Hablar de este disco es decir maravillas de él y no aportar nada nuevo. Pero daremos una breve pincelada.  Los canadienses RUSH son, para muchos, una de las bandas más virtuosas y técnicas que han existido en el rock. Y "Moving Pictures" es su gran ALBUM, con mayúsculas, su obra maestra.

Este octavo disco conjuga los temas complejos y las instrumentalizaciones progresivas "marca de la casa" como en "The Camera Eye" con la comercialidad de "Tom Sawyer" (que ya habían explotado en su anterior "Permanent Waves" y el excelente tema "The Spirit of Radio"). Después de varios discos conceptuales: "A Farewell to Kings" y "Hemispheres" o de su otra obra maestra "2112", el grupo buscaba un cambio y llegar a más público. Evidentemente lo consiguieron con este "Moving Pictures". Junto a "Tom Sawyer" encontramos clásicos inmortales como "Red Barchetta" o la instrumental "YYZ" (vale la pena echarle un vistazo al DVD "Rush in Rio" (aquí) para ver como el público enloquece coreando y tarareando este tema).

Después de la muerte de Neil Pearl el 7 de enero de 2020, el trabajo de la banda ha cesado, aunque, Geddy y Alex, amigos desde los 14 años, no descartan seguir componiendo juntos.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN FEBRERO DEL ’81: "Killers", de Iron Maiden;' 'Point of Entry' de Judas Priest, 'Stray Cats' de Stray Cats, 'Another Ticket' de Eric Clapton, 'The Fool Circle' de Nazareth,

                        1991: MOTORHEAD: "1916"

Formación: Lemmy (bajo y voz) Phil "Wizzö" Campbell (guitarra), Michael "Würzel" Burston (guitarra) Phil "Philthy Animal" Taylor (batería)

Primer álbum en estudio desde aquel “Rock'n’Roll” de 1987 y varios recopilatorios. Con Lemmy mudado a los Estados Unidos y cambios de discográfica, el sonido se vuelve menos sucio. A ello contribuyen la inclusión de instrumentos como el violonchelo en “1916” y o el saxofón en “Love me Forever” y “Angel City”. Entre los grandes aciertos del disco nos quedan la divertida “Going to Brazil”, “No Voices in the Sky” o el homenaje a los Ramones, “R.A.M.O.N.E.S.”

El tema que le da título, así como la portada está inspirado en la primera guerra mundial, concretamente en la batalla de Somme, con lo que el trabajo cobra cierto dramatismo en esta parte. Esa historia de un joven soldado es, sin duda, una de las letras más profundas que haya escrito la banda.

Al álbum se le puede echar en cara contener demasiadas piezas lentas (hasta 3 si incluimos a "Nightmare/The Dreamtime", pero en conjunto es un álbum muy equilibrado. Se convirtió en el último en gozar de la participación de Phil "Philthy Animal" Taylor. MOTORHEAD desapareció después de la muerte de Lemmy el 28 de diciembre de 2015.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN FEBRERO DEL ’91: 'Heaven's Open' de Mike Oldfield, 'Different World' de Uriah Heep, 'One Size Fits All' de Pink Cream 69, 'On the Prowl' de Loudness, 'Innuendo' de Queen

                        2001: 1349: EP Homónimo

Formación: Tjalve (guitarra), Archaon (guitarra), Seidemann (bajo) y Ravn (voz y batería en track 4).

Desde Escandinavia nos llegaba en febrero de 2001 una banda que tras dos demos presentaba un debut absolutamente black, en la más pura línea noruega, de esa tradición que todo el mundo recordará. Venían precedidos, además, por un nombre escalofriante, 1349, el año en que la peste negra llegó a Noruega matando a un 50/60% de la población y como una plague traían un trabajo lleno de oscuridad, anticristianismo y caos, una joya del Black Metal noruego.

“1349” está compuesto por cuatro canciones y una duración de unos 18 minutos, con un inicio absolutamente oscuro y desolador que va introduciendo de forma escalonada una tenebrosa lluvia y campanadas, guitarras distorsionadas y voces absolutamente black, eclosión instrumental de mano de la batería y entonces sabemos qué nos iba a ofrecer esta inquietante pero sugerente banda.

Link al EP 1349

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN FEBRERO DEL ’01: 'To Record Only Water for Ten Days' de John Frusciante, 'Believe in Nothing' de Paradise Lost, 'Electroretard' de Melvins, 'A Pedrator's Portrait' de Soilwork, 'Sing Loud, Sing Proud!' de Dropkick Murphys,

            2011: EVERGREY "Glorious Collision"

Formación: Tom Englund (voz, guitarra), Rikard Zander  (teclados), Marcus Jidell (guitarra); Johan Niemann (bajo); Hannes Van Dahl (Batería), Carina Englund (voces femeninas),

Menos progresivos que en trabajos anteriores, EVERGREY se adentra en la nueva década con un lavado de cara. Conservando a su mujer y al teclista Rikard Zander. Tom, amo y señor del proyecto, endurece su sonido aunque sin llegar a un heavy más agresivo, pero sí alcanzando un metal melódico bastante coherente.

Estamos ante el octavo álbum de estos suecos formados en 1995. "Glorious Collision" incluye temas como “You” o “Frozen” que son potentes descargas que se suman a la melancolía en baladas como “The Phantom Letters” o “Free”.

Aunque la verdad es que el estilo de EVERGREY juega entre la indefinición, ni son lo agresivos que deberían ser ni tampoco lo melódicos que algunos fans esperan. En sus próximos trabajos como "Hymns for the Broken" o "The Storm Within" la música se volverá más agresiva sin dejar de lado el progresivo. Como nota anecdótica la presencia de la hija de Tod, Salina Englund como voz invitada en  "I'm Drowning Alone". Con todo "Glorious Collision" es uno de sus mejores álbumes hasta la fecha. Sólo nos queda esperar qué nos deparará su próximo disco "Escape of the Phoenix" que saldrá al mercado el 26 de este mes.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN FEBRERO DEL ’11: 'Hardcore Will Never Die, but You Will' de Mogwai, 'Angels of Darkness, Demons of Light I' de Earth, 'Tao of the Dead' de ...And You Will Know Us by the Trail of Dead, 'Sever the Wicked Hand' de Crowbar, 'Epoch' de Fen

Con dos semanas de retraso nos llega el último disco de ACCEPT “Too Mean to Die”, o lo que es lo mismo (Demasiado malo para morir). Se trata del quinto álbum de esta última etapa con Mark Tornillo a la voz y con Wolf Hoffmann como único superviviente de la formación clásica.

La formación la completan Martin Motnik, al bajo; Uwe Lulis y Philip Shouse, a las guitarras y Christopher Williams a la batería. El álbum ha sido producido por Andy Sneap (JUDAS PRIEST, MEGADETH,etc.)

En líneas generales el disco es más variado y ameno que su antecesor "The Rise of Chaos". Está compuesto por 8 temas muy rápidos y potentes donde destacan las iniciales "Zombie Apocalypse""Too Mean To Die""Not my Problem"; un medio tiempo "The Undertaker" (aparecido como primer sencillo hace unos meses); una balada "The Best Is Yet To Come" y un tema instrumental "Samson And Delilah".

Podemos encontrar la rapidez de los últimos años, los riffs y solos típicos de los ACCEPT de los 80, los coros a lo "Balls to the Wall" y los guiños hacia la música clásica - que tanto le gusta a Hoffmann- en un par de temas.

Como comentaba antes, el disco es ameno y uno de sus mejores discos de este milenio. Las dos piezas iniciales son muy rápidas, están en la línea de los últimos trabajos.  "Zombie Apocalypse" es el tema con el que se inicia el disco, y tiene todos los números de ser el tema que abra sus próximos conciertos. "Too Mean To Die"  es otro gran tema en cuanto a música, de las letras mejor no fijarse -bastante infantiles y previsibles: zombies persiguiéndo a la gente y tipos duros: ..."heavy metal warrior, restless son of a bitch..." difíciles de matar.

Después de la descarga inicial llegan otra pareja de temas muy interesante en una línea más clásica del grupo: "Overnight Sensation"; excelentes coros y un ritmo más pausado y vacilón. Temáticamente tanto este tema como "No Ones Master" abordan la actualidad, el éxito y la popularidad en internet o el control de los medios de comunicación sobre la población.

Llegamos así al primer descanso que supone "The Undertaker"; más tránquilo, también con grandes coros en el que se nos explica la historia de ese enterrador solitario. Si te habías relajado, "Sucks To Be You" te da una buena patada pero la sorpresa grata para los amantes de la música clásica la tenemos en "Symphony Of Pain", en donde un largo solo nos lleva a dos sinfonías de Beethoven (la novena y la quinta); una maravilla.

"The Best Is Yet To Come", es la balada del disco que permite otro cambio de ritmo y evitar que se haga lineal y monótona la escucha. En "How Do We Sleep" se ponen filosóficos y se plantean dudas que están muy presentes en estos días "How do we sleep at night? With the world around us going to hell" (¿Cómo vamos a dormir por la noche si el mundo que nos rodea se va al Infierno? y la vertiginosa  "Not My Problem" y "Samson And Delilah" son la guinda del pastel. Este último es un tema instrumental que recuerda los trabajos en solitario de Wolf Hoffmann y que incluye guiños a la música clásica como la "Sinfonía del Nuevo Mundo" de Dvorak, un gran final.

En resumen,  es un disco que para nada aburre, va alternado distintas velocidades y temáticas donde todos los elementos de ACCEPT son reconocibles.

Incursed es una banda de folk /pagan metal que nació en 2007 en Aranda de Duero, pero es al moverse a Bilbao cuando más aumentó su actividad. Un primer EP en 2009 titulado “Time to Unsheathe Our Rusty Swords”, seguido de “Morituri” (2010), colocaron a la banda en la escena local de folk y pagan. “Fimbulwinter” (2012) y “Elderslied” (2014) dieron continuación y estabilidad a su propuesta y, aclamados por la crítica nacional e internacional, tuvieron la oportunidad de tocar en España y Europa con grupos de la talla de Immortal, Eluveitie, Ensiferum, Suidakra o Cruachan.

En 2018 se inició un punto de inflexión para la banda con “Amalur”, disco que, tras fichar por ON FIRE Rock Promo, los llevó a la gira más exitosa de la banda hasta la fecha, pasando por festivales como Leyendas del Rock, Milagre Metaleiro o Metaldays.

Este 2021, a través de Helheim Records, sacan “Baskavígin”, el mejor disco, sin lugar a duda, de la carrera de la banda. Este nuevo trabajo viene presentado por una espectacular portada, una verdadera obra de arte que aúna lo que Incursed encarnan: la unión con la tradición vasca marítima, con un espectacular mar embravecido en medio de un océano que les llevaría tierras lejanas en busca de las preciadas ballenas.

Y hablando de eso, me arriesgaría a decir que el concepto principal del álbum es ese, aquellos largos y épicos viajes de los balleneros vascos a tierras de antiguos vikingos donde recibieron buenos y malos tratos, por mencionar la matanza de vascos de 1615.

Y en esa fecha, “1615”, comienza “Baskavígin” con un intro para abrir un trabajo épico pero que no abandona su tradición folk y pícara, y tampoco su fuerza y fiereza, como demuestra el tema homónimo. “Baskavígin” es un tema de melodías de guitarra muy pegadizas, estribillos que enganchan y momentos muy personales que se combinan con una batería de ritmos mixtos atronadora, un potente bajo, muy buenos riffs y guitarras muy personales, a lo que se añade una potente voz gutural; no faltan tampoco momentos más folks y una base muy épica, un temazo para abrir este trabajo.

De esa picaresca de la que hablábamos es buena muestra “Who Stole My Beer”, de esos temas de melodías y estribillos cadenciosos que fácilmente se convierten en himnos, un verdadero golpe musical, sobre todo, para un directo.

“The Black Hunter” y “Colossal” son temas de mucha fuerza, a destacar la batería de ritmos mixtos y unos grandes paisajes instrumentales; destacaría la fiereza de los inicios en temas como “Colossal” con grandes guitarras para construir las melodías, un espectro de voz portentoso y estribillos muy épicos, de los que cruzan tiempos y mares.

Encontramos también una serie de temas mucho más folk, muy ligados a los personajes que habitan los densos bosques, caso de “Eusko Troll Label” y “Patxi Porroi”, a base de un buen violín y una base contundente en el caso de la primera, que es un temazo de principio a fin, con una estructura genial, una melodía pegadiza pero de calidad, bien trabajada y una voz que toma potencia. En su caso, “Patxi Porroi” es un verdadero himno, de esos que se canta hasta la extenuación en un directo.

No faltan tampoco momentos más introspectivos, como “Into The Curse”, un tema muy bonito de una gran atmósfera épica, en la que las guitarras son la clave para construir la historia. Y de las historias de glorias pasadas ligadas a la tradición del mar, “Paganauts”, a otros temas como “Souls On Fire”, muy alegre, muy folk, muy fuerte, con una batería atronadora en plena tormenta, una canción con una gran personalidad.

El final de “Baskavígin” viene de la mano de “Saltus Eta Ager: Pt I: Saltvs Vasconvm / Pt II: Ager Vasconvm”, un tema realmente poderoso, con un cambio de registro en la voz impresionante, rozando esas voces de tradición black, con una base brutal y agresiva que nos da la bienvenida muy dulcemente, igual que nos despide. Un gran contraste en una gran canción, en comunión con la naturaleza, el mar y la tradición.

No perder de vista que de esa tradición folk que nos trae Incursed y, para potenciarla, la banda mantiene la lengua vasca junto al inglés para la lírica, un buen elemento que sin duda potencia la autenticidad del trabajo de Incursed, así como su raíz y base folk.

Como valoración general, esta banda ha sabido cómo unir la épica con el folk a través de una línea power basada en las tradiciones y la picaresca; un trabajo que mantiene la frescura nacional y el nivel y estilo europeo sin abandonar la tradición propia, riffs de guitarra, melodías muy propias, potentes batería y bajo que marcan un ritmo muy trabajado que mantiene ese fantástico equilibrio ente lo folk y épico. Una banda de nivel europeo que ha conseguido el nivel de grandes bandas de folk, manteniendo el elemento épico y pícaro, los personajes ancestrales y mitológicos. Un gran álbum.

Tracklist:

  1. 1615 (Intro).
  2. Baskavígin.
  3. Who Stole My Beer.
  4. The Black Hunter.
  5. Colossal.
  6. Eusko Troll Label.
  7. Into The Curse.
  8. Patxi Porroi.
  9. Paganauts.
  10. Souls On Fire.
  11. Saltus Eta Ager: Pt I: Saltvs Vasconvm / Pt II: Ager Vasconvm).

Line up:

Jon Koldo Tera (Voz y Teclados)

Lander Lourido (Guitarra)

Oier Calvo (Guitarra)

Haitz Etxebarria (Bajo)

Asier Amo (Batería)

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Hoy, primer domingo de enero de 2021 es un buen día para inaugurar una serie de artículos mensuales bajo el nombre de "La Caja de Pandora" en los que repasaremos algunos discos de rock y metal aparecidos en los últimos 50 años. Cada mes os traeremos 5 discos publicados en el mes de publicación del artículo y de las últimas 5 décadas. Así pues, iremos repasando un disco de cada década desde 1971 hasta 2011.

El criterio es totalmente casual, hemos priorizado el mes de publicación y la intención es evitar la repetición del grupo o artista. Queremos dar cabida a la máxima variedad de estilos dentro del rock duro y el metal.

Empezamos.

1971: ZZ TOP.  "ZZ Top's First Album" (16 de enero)

Formación: Bill Gibbons (guitarra), Dusty Hil (bajo) y Frank Beard (Batería)

Aunque aparecido en 1971, el primer disco de ZZ TOP ya se venía cocinando desde 1969 gracias a las composiciones que Bill Gibbons ya venía escribiendo antes de la versión definitiva del grupo. Originarios de Texas (Houston), el trío, con la ayuda del productor Bill Ham grabó su primer disco a partir de jams e improvisaciones en pocos días. El resultado es un magnífico álbum de debut que mantiene la fuerza del local de ensayo y la crudeza de una primera experiencia en el estudio.
El blues rock, el hard rock y el rock sureño se dan la mano en este disco. Aunque la canción «(Somebody Else Been) Shakin' Your Tree» fue la elegida como sencillo promocional, es en temas como "Brown Sugar", "Goin "Down to Mexico" o “Backdoor Loev Affair” donde muestran el camino que seguirán hasta la aparición de la MTV en sus vidas.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ENERO DEL '71: 'Pearl' de Janis Joplin, 'Chicago III' de Chicago

1981: UFO "The  Wild, The Willing and the Innocent" (6 de enero)

Formación: Phil Mogg (voz), Paul Chapman (guitarra), Nil Carter (guitarra rítmica, teclado y saxofón), Pete Way (bajo) y Andy Parker (Batería)

Segundo trabajo después de la marcha de Michael Schenker del grupo y aún se les veía en buena forma. UFO todavía aparecía en la listas de éxitos del Reino Unido, aunque para ello hiciese falta cambiar algo la fórmula. Paul Chapman cogía más peso en las composiciones, compartiendo hasta 6 temas con la pareja Way-Mogg y las canciones potenciaban la presencia de la voz tan característica de Phil Mogg.
Aunque «Couldn't Get it Right» y «Lonely Heart" (con esa parte central protagonizada por el saxofon de Carter), fueron los temas elegidos como single, hay que destacar canciones como las roqueras “Chain Chain”, “Makin’ Moves” o la preciosa “Profession of Violence”.

UFO se había convertido en todo un referente de las nuevas bandas que llenarían el panorama del metal con la NWOBHM. La banda aún aguantaría dos años, hasta su separación temporal de 1983.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ENERO DEL '81: 'Nude' de Camel, 'Turn Back' de Toto, 'The Nature of the Beastde April Wine

1991: David Lee Roth "A little Ain't Enough"(15 de enero)

Formación: David Lee Roth (voz) Jason Becker (guitarra), Steve Hunter (guirtarra) Paul Baron (bajo), Matt Bissonette (bajo), John Webster (teclados) Gregg Bissonette (Batería).

Roth había dejado Van Halen en 1985 para iniciar su carrera en solitario junto a músicos de renombre como Billy Sheehan y Steve Vai. Después  dos primeros discos muy exitosos "Eat 'Em and Smile" de 1986 y "Skyscraper", de 1988, Vai marcharía hacia Whitesnake y Roth encontraría en Jason Becker un gran sustituto.

“A Little Ain’t Enough” es un álbum vitalista, en donde predomina la filosofía de estar siempre de fiesta. No hay más que ver el vídeo de ese tema para comprobarlo. Además del tema que le da título al disco caben destacar temas como los divertidos "Shoot It", "Hammerhead Shark o "40 Below" y el magnífico trabajo a las guitarras de Jason en "Baby's on Fire" o "It's Showtime". Sin duda es el último gran disco de su carrera.

Las canciones fueron compuestas por el mismo Roth, con la ayuda del músico Brett Tuggle y Steve Hunter entre otros y con la producción de Bob Rock. La nota negativa del disco es el hecho de que al poco de iniciarse las sesiones de grabación Jason Becker empezó a notar los primeros síntomas de ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica).

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ENERO DEL '91: 'Uncle Anesthesia' de Screaming Trees, 'Lunar Womb' de The Obsessed

2001: 'Ensiferum' de Ensiferum (7 de Enero)

Formación: Jari Mäenpää (guitarra y voz), Markus Toivonen (guitarra), Jukka-Pekka Miettinen (bajo) y Oliver Fokin (batería)

El debut de una de las bandas más importantes del folk metal actual. Dentro de la oleada finlandesa, Ensiferum ofreció una brisa de temas cortos, pegadizos, en inglés y más directos. Este primer álbum es el resultado de varias demos en las que la banda iba perfilando un proyecto futuro. Con el paso del tiempo, este primer trabajo ha envejecido de manera brillante, conservando en la mayoría de los conciertos los cortes “Token of Time” y “Treacherous Gods”.

Junto con su siguiente trabajo, ‘Iron’, la banda tuvo una primera etapa con un sonido crudo en comparación con su trayectoria futura. Pocos años más tarde de este 2001, tanto Jari, Jukka y Oliver dejaron la banda. Mención especial sobre este este álbum, la colaboración de Henri Sorvali a los teclados, figura clave dentro del género.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ENERO DEL '01: ', 'Carnival Diablosde Annihilator, 'The Stings of Conscience' de Unearth

2011: Mr BIG:"What If..." (21 de enero en Europa)

Formación: Eric Martin (voz), Paul Gilbert (guitarra), Billy Sheehan (bajo) y Pat Torpey (Batería)

10 años después de su último disco en estudio "Actual Size" y 14 desde la marcha de Paul Gilbert del grupo, los cuatro miembros originales de Mr Big se volvían a encontrar en el estudio de grabación. La culpa había sido la gira de reunión y el exitoso directo "Back to Budokan" de 2009.

"What if..." es una vuelta a los orígenes, estamos ante el mejor disco de Mr Big desde "Bump Ahead". Los temas tienen el punto justo de virtuosismo sin marear y como siempre combinan perfectamente temas más acelerados como "Undertow", "American Beauty", "Still Ain't Enough For Me", grandes melodías como "Undertow", "Once Upon a Time" o "Around the World" con las inevitables baladas "All the Way Up" y "Stranger in my Life".

Dos discos han dado continuidad a Mr Big, pero la muerte de Pat Torpey y los diferente proyectos del resto de sus componentes los han llevado a un estado de "stand by" sin que se vea claro cuál será su futuro.

OTROS ÁLBUMES LANZADOS EN ENERO DEL '11: 'The Destroyers of All' de Ulcerate, 'Elysium' de Stratovarius, 'The Here and Now' de Architects

Maestitium-Tale-Of-The-EndlessLa one man band procedente de Suecia, Maestitium, debuta el 5 de febrero con “Tales Of The Endless” y a través de Black Lion Records, un EP de cuatro temas que nación de una curiosa iniciativa.

El proyecto nace de la mano de Elias Westrin, guitarrista, vocalista y compositor (Tomb Dweller, ex Voices of Vengeance) en el otoño de 2019. Mientras asistía a un curso de producción musical en Hola Folkhögskola en las afueras de Kramfors, Suecia, a Elias se le asignó un proyecto de creación de un EP y así nació Maestitium.

“Tale Of The Endless” cuenta la historia de tres personas con mentes turbulentas y oscuras, llenas de ira, desesperación y tristeza, un trabajo inspirado en bandas como Insomnium, Hinayana, Wolfheart y, en mi opinión, Wolcensmen, tanto por las melodías de base como por la misma iniciativa fundamentada en el proyecto de un solo hombre.

Cuatro temas de larga duración componen una historia ambientada en un contexto muy escandinavo, desde la misma portada, con montañas nevadas, cascadas y una atmósfera a punto de estallar; y un logo que recuerda a bandas de la misma línea.

Estos cuatro temas que componen “Tales Of The Endless” tienen una estructura similar, combinando partes muy potentes con otras muy melódicas (“Song of the Freezing Wind”), voces guturales para lo primero, otras más claras para la segunda parte (“Morning Star”); melodías muy épicas (“The Undying Travail”); batería de ritmos mixtos en ciertos momentos que le añaden un extra de fuerza (“Tale of the Endless”); y, en general, temas muy cuidados, bien estructurados y muy evocadores, que dan como resultado un death melódico muy atractivo.

Como valoración, a destacar la voz gutural en alternancia con voces más claras para las partes más melódicas, buen fondo de teclados y una batería potente que afloja en las melodías épicas que protagonizan este trabajo. Un proyecto muy característico del mundo escandinavo, de los grandes paisajes y estaciones cambiantes. En ciertos tramos muy atmosférico y evocador, en general, una dulce melancolía propia de los fríos días del invierno sueco. Elias Westrin nos trae un proyecto fresco, menos original ya que recuerda de otras bandas escandinavas o incluso americanas de sonido nórdico (Hinayana), pero muy prometedor a medio largo plazo, no perderlo de vista,

Tracklist:

  1. The Undying Travail.
  2. Morning Star.
  3. Song of the Freezing Wind.
  4. Tale of the Endless.

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Si mezclas a partes iguales los teclados de Deep Purple, el sonido de los Uriah Heep de los 70, la flauta de Jethro Tull y la potencia de Blue Oyster Cult, el resultado es el magnífico disco de hard rock clásico que se han marcado los italianos WITCHWOOD.

Witchwood“Before the Winter” se publicó el 20 de noviembre a través de Jolly Roger Records. Supone el tercer trabajo del grupo, después de “Litanies from the Woods” (2015) y “Handful of Stars" (2017). Como en sus otros dos discos, la presencia de la flauta y los teclados setenteros son una de las características más destacables y su carta de presentación.

En 2014, de las cenizas de Buttered Bacon Biscuits, nació WITCHWOOD. Después de la separación de esta banda, algunos miembros  - Ricky, Andy, Steve y Sam – decidieron continuar y junto a Luca Celotti en el bajo, comenzar WITCHWOOD.

Un año después, regresaron con una nueva grabación, "Handful of Stars"; con tres canciones inéditas y dos versiones: "Flaming Telepath" de Blue Öyster Cult y "Rainbow Demon" de Uriah Heep. Como una especie de homenaje y tributo a estos dos grandes grupos, tan importantes para el viaje musical de WICTHWOOD. El grupo se caracteriza por mezclar el hard rock, el rock progresivo, psicodélico y el rock sureño con una actitud oscura y vintage de los setenta. WITCHWOOD ha sido considerada como una de las mejores bandas italianas de la nueva ola "retro-rock".

El álbum se abre con "Anthem For A Child" dejando clara la jugada: teclado omnipresente, batería poderosa, coros impecables y los toques justo de la flauta de "Sam" Tesori.
Con "A Taste Of Winter" viajamos a aquel lejano 1971 y al tema "Bird of Prey" de Uriah Heep que les sirve de inspiración. Bebiendo de los maestros, bordan un tema muy pegadizo, con una gran labor de todo el grupo, aunque me quedo con la pegada de la batería y el sonido del Hammond.

El disco se va llenando de paisajes sonoros que van desde esa "jam" en la parte central de "Feelin'" y su puntito funky hasta los temas más progresivos como "Hesperus" (8 minutos) o "Slow Colours of Shade" (casi 11), pasando por el folclorismo de "A Crimson Moon", con sus aires exóticos. Las guitarras desatan su fuerza en temas como "No Reason to Cry" - toda una sorpresa con ese intermedio muy bailable que te hace seguir el ritmo con las palmas -. De nuevo teclados al más puro estilo Heep.

"Nasrid" es el tema más dulce y emotivo del álbum, las guitarras acústicas , la flauta y las voces combinadas producen el efecto de un viaje en el tiempo hacia mundos lejanos. Una joya de tema, pausado, que sirve para tomar fuerzas antes de abordar "Crazy Little Lover" - un potente hard-rock marcado por la armónica y el piano que le dan cierto regusto a los Lynyrd Skynyrd. "Slow Colours of Shade", el más largo de todos los temas y el perfecto resumen de todo lo que son WITCHWOOD . El disco se cierra con el bonus track "Child Star", versión del tema de Marc Bolan. Una grata sorpresa la que me he llevado con el trabajo de estos italianos, no hay que decir que es más que recomendable echarle una audición a éste o a cualquiera de sus otros discos. Para amantes del hard rock clásico con toques progresivos.

Canciones:

01 Anthem For A Child 5:24
02 A Taste Of Winter 5:02
03 Feelin' 4:12
04 A Crimson Moon 5:07
05 Hesperus 8:35
06 No Reason To Cry 4:51
07 Nasrid 4:20
08 Crazy Little Lover 7:44
09 Slow Colours Of Shade 10:42
10 Child Star [LP bonus track / Marc Bolan cover]

Formación actual: 
Riccardo "Ricky" Dal Pane - voz, guitarra acústica y eléctrica, mandolina
Andrea "Andy" Palli - batería
Stefano "Steve" Olivi - Hammond, piano, synth & Moog
Luca "Celo" Celotti - bajo
Samuele "Sam" Tesori - flauta & armónica
Antonino "Woody" Stella - guitarra solista

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www.jolly-roger-records.bandcamp.com

Arhat es una banda ucraniana de Groove Metal con una línea muy particular: melodías orientales forjadas con diferentes elementos musicales que podrían definir a la banda como Ethnic Groove, por dar una idea de cómo suenan.

La banda surgió en 2017, en Kiev y está formada por músicos experimentados que, en poco tiempo, compusieron varias canciones que fueron incluidas en su primer set list. Lanzaron su primera demo, llamada “Mantra”, en enero de 2018 y para promocionar este trabajo actuaron en Kiev y algunas otras ciudades de Ucrania.

El 17 de junio de 2018, Arhat lanzó el single “Stately Ruins”, un tema que tiene el sonido agresivo de la banda con elementos orientales en la línea de guitarra principal. Poco después, la banda actuó en el aniversario del Black Sea Metal Festival, realizó conciertos y participó en diversos festivales en Europa Oriental. Ahora, nos traen este “Dead Life” como buena muestra de su recorrido musical y lo que son capaces de crear.

Para comenzar con la crítica de “Dead Life”, el título ya nos da una idea del talante de la banda y el concepto del álbum. Ciertamente, se presenta como una propuesta crítica y ácida respecto a nuestra sociedad con una serie de elementos en su portada que dejan las cosas claras: cadáveres que cuelgan de una soga bajo el mar y tiburones, clara metáfora de nuestros tiempos desde una perspectiva muy dura, como lo es la música de Arhat.

Por otro lado la parte lírica es muy rica y poco común ya que se alternan y equilibran los temas sobre la cruel realidad actual con otros acerca de la mitología de las gentes orientales de Europa. Es verdad que puede ser una mezcla nada frecuente de elementos líricos que puede resultar extraña, pero precisamente ese equilibrio hace que el resultado sea más rico y, de hecho, nada monótono, en un trabajo que se presenta muy bien ideado y mezclado sin dejar ningún elemento propio atrás.

De esta manera, tras “Edge Of The Abyss (Intro)”; un tema instrumental con toques orientales que va abriendo camino a este álbum, encontramos tres temas que tratan con mucha ironía los problemas de la sociedad actual: “Dead Life”, “Freedom” y “Outcast”. El primero podría ser una genial muestra de todo lo que Arhat puede dar ya que es un tema brutal de sonido agresivo, guitarras metálicas y ritmos orientales a cargo de la guitarra principal; la batería a ritmos mixtos por momentos y bajos incansables, aportan una base muy dura y sólida; la voz desagarrada aporta toda la fuerza que emana la banda. Destacar “Outcast” por los elementos únicos de percusión y guitarras liderando las melodías orientales, que bien podrían servir como banda sonora brutal de una buena peli de ancestrales guerreros de las estepas. Buen ejemplo de la esencia de Arhat.

Le siguen “Stately Ruins” y “Arhat”, sobre las tradiciones y leyendas de los pueblos orientales, con aportaciones muy interesantes como la voz femenina y, de nuevo, la percusión en “Arhat”. Sigue este desarrollo equilibrado y sostenido con dos temas más sobre la actualidad más ácida, “Maximalism” y “Danger Of Death” y cerramos con “Mantra”, recuperando de nuevo la historia y ancestros de la vieja Ucrania para cerrar este trabajo.

Como valoración general, sonido agresivo con melodías orientales (estepa ucraniana) aunque no resulta una banda folk o étnica porque esos elementos orientales están magistralmente equilibrados con el Death/Groove Metal, por lo que se mantiene una banda brutal con una línea original que no defrauda las expectativas de los amantes del metal extremo. Percusión que enfatiza las melodías orientales y verdadero Groove, con influencias death y hardcore, puede ser una buena definición de esta banda ucraniana.

Eso sí, no perder de vista la voz femenina de algunos temas, la percusión de otros y la guitarra principal como seña de identidad de este nuevo o experimental género. Excepcional composición mixta de metal/étnico.

Tracklist:

  1. Edge Of The Abyss (Intro).
  2. Dead Life.
  3. Freedom.
  4. Outcast.
  5. Stately Ruins.
  6. Arhat.
  7. Maximalism.
  8. Danger Of Death.
  9. Mantra.

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Aeolian-The-NegationistVaya sorpresa me he llevado con ÆOLIAN. Los mallorquines llegan con su segundo disco “The Negationist”, y sinceramente, no conocía a la banda, pero este disco me ha sorprendido. Es un disco brillante, con una excelente producción, lleno de matices y texturas, composición impecable. Un trabajo completo, lo mires por donde lo mires.

The Negationist” trata diferentes cuestiones relacionadas con el final de la humanidad, cuestionando el negativo papel que el ser humano ejerce para que todo llegue a su final y destrucción.

Death metal melódico sería la definición al uso para ÆOLIAN. Pero no es una definición justa. Como decía, este disco está lleno de matices, de diferentes texturas musicales. El death es la base en la que confluyen otros elementos como en thrash, el black, incluso algunos momentos más heavys, pero con una carga justa de melodía en cada una de las once canciones del álbum.

Un trabajo brutal en guitarras, con riffs afilados, solos con gran carga emocional, pasajes acústicos… Riffs pesados, con una batería contundente, con dura pegada, y arropada en todo momento de unas líneas de bajo muy marcadas. Y una parte vocal impecable, manejándose en diferentes registros, según la exigencia del momento.

Si desgranamos al minuto cada una de estas canciones, encontraremos muchas influencias de bandas muy marcadas. Pero ÆOLIAN mezclan esas influencias de forma inteligente, consiguiendo dar identidad propia. Y sobre todo, conseguir que el tempo no se pierda, y se mantenga el interés hasta el último segundo. 

Dejarte llevar es fácil en canciones como “Blackout”, con un inicio muy heavy, muy Judas de su “Painkiller”. Pero no te dejes engañar. Aquí hay contundencia, agresividad vocal en los estribillos, pesadez en unos ritmos pesados, como si de una marcha hacia el Ragnarok se tratase. Incluso nos encontramos un violín en la parte final del tema. No es el mejor del disco, pero te engancha.

Guitarras acústicas como preámbulo para uno de los temas con más raíces black del disco, “Golden Cage”, donde el bajo de Leoben Conoy cobra cierto protagonismo. Las guitarras acústicas se dejan escuchar en diferentes cortes, como en el inicio de “Unseen Enemy”. Un tema agresivo en voces, respaldadas por la dura pegada de Alberto Barrientos con su batería. Me encanta la última parte, con esos coros, y ese maravilloso solo de guitarra, que dan tanta emotividad. Sin olvidar a ese “ogro” que es cantando Daniel Perez. De los que más me han gustado del disco. “We Humans”, es muy épica, con aires entre el folk y el viking. 

Animals Burned” es otro poderoso tema, de corte muy extremo, pese a ese receso central que le dan las guitarras acústicas. Al igual que “Bleeding Garbage”, otro tema potente y agresivo en voces. “The Flood” es uno de mis favoritos, con esa voz profunda, y ese gran trabajo de guitarras a cargo de Raúl Morán y Gabi Escalas. "Ghosts Anthem" es otro de mis favoritos, por su estructura y composición, con ese final orquestado, que no hace más que poner la guinda a un tema perfecto, en todos los sentidos.

Reborn” es el final perfecto a un excelente trabajo. Con esa entrada de piano en forma de intro, reúne muchas de las esencias de “The Negationist”. Y no olvidemos el arranque vertiginoso del álbum con “Momentum”, donde las guitarras toman el protagonismo, siendo una de las canciones más rápidas. Otro temazo.

The Negationist” es para mi de lo mejor de este 2020. La mezcla de influencias y sonidos, aplicadas al servicio de un death metal cargado de melodía, hacen de este un disco casi perfecto en toda su extensión. No exagero.

Brujo

Lords-Of-Black-Alchemy-Of-Souls-pt-1¿Has escuchado la nueva entrega de Lords Of Black? Hablamos de "Alchemy Of Souls Part.I" Hemos querido realizarle una cuidadosa reseña, ya que es un álbum para perderte en todos los detalles que la banda nos ha querido ofrecer en este nuevo lanzamiento.

Lo primero a destacar de este disco son los cambios de formación; comenzando desde el batería Jo Nunez y siguiendo con Ronnie Romero para la parte vocal; un cambio que considero que mucho de nosotros estabamos esperando escuchar. Y no es porque Diego Valdez no lo hiciera increíblemente bien, pero desde los inicios de la banda nos hemos rodeado de Ronnie y forma una parte muy importante de esta formación.

Dentro del disco nos encontramos con un metal clásico con base de hard rock, toques power y ciertas pinceladas progresivas sin olvidarnos de las melodias que caracterizan a Lords Of Black. La banda encuentra un sonido más fresco y menos oscuro que las anteriores entregas. En "Alchemy Of Souls Part. I" nos encontramos con una pasarela de habilidades excelentes, desde las guitarras con riffs pegadizos y bien rítmicos, dotes vocales muy dinámicas hasta un bajo y una batería desarrolladas con contundencia y precisión.

Todas las composiciones han sido cuidadas con melodías que te perseguirán convirtiéndose en himnos de la banda, como tenemos , por ejemplo, a "Deliverance Lost". Otros de los temas que más impactan son "Into The Black" y "Dying To Live Again"; mostrando medios tiempos llamativos. No será solamente temas basados en hard rock con elementos progresivos lo que encontramos como con "Sacrifice", del cual nos enseñaron un vídeo muy particular. Si no que además nos encontramos con una parte más melosa, con una ejecución de piano precioso, como es "You Came To Me" o con un pasaje más melódico "in crescendo" con "Shadows Kill Twice". Esta última es impresionante, y de mis favoritas.

Al disco no le falta de nada, desde composiciones con riffs más pegadizos que te atrapan como es "Disease In Disguise". Y por supuesto, a todos aquellos que vemos a Ronnie Romero como una voz muy muy cercana a Dio, dejate llevar por  "Tides Of Blood", donde como vocalista vuelve a impresionarnos; este es un tema enérgico y rodeado del metal clásico con una interpretación vocal excelente.

En "Alchemy Of Souls Part.I", Lords Of Black vuelve a ofrecernos un álbum lleno de su atrayente personalidad; con armonías, melodías y elementos progresivos que cumplen con todas y más las expectativas que teníamos de este nuevo trabajo. Es para darle varias escuchas, ya que muestra una infinidad de detalles en los que perderse más de una vez.

Lords Of Black - "Alchemy Of Souls Part.I" tracklist:

Dying To Live Again
Into The Black
Deliverance Lost
Sacrifice
Brightest Star
Closer To Your Fall
Shadows Kill Twice
Disease In Disguise
Tides Of Blood
Alchemy Of Souls
You Came To Me (Piano Version)

Sainted Sinners era una banda que se formó en 2016 de la mano de Frank Pané y David Reece; lanzaron dos discos maravillosos, “Sainted Sinners” y “Back with a Vengeance”. Después de esto, David abandonó la banda, no de buena manera precisamente; llevándose consigo al bajista Malte Fredrik Burkert y al segundo guitarra Ferdy Doernberg y dejando Sainted Sinners tocado de muerte, o eso parecía…

La realidad es que Frank Pané se ha reinventado en este 2020, buscando nuevos músicos, incorporando un teclista a la banda, el espléndido Ernesto Gezzi (Gothard), nuevo bajista, Rico Bowen y un cantante en un registro completamente distinto del de David Reece, el italiano Jack Meille (Tygers of Pan Tang) y consiguiendo armar una banda completamente nueva y distinta a la anterior.

Y es con estos músicos, junto al batería Berci Hirleman, en la banda desde el primer momento, que han lanzado el disco del que hablamos hoy: “Unlocked & Reloaded” que, a mi entender, es el mejor de su carrera hasta el momento. Lejos de seguir encasillados en el Hard Rock setentero que siempre ha sido la esencia de la banda, se reinventan explorando nuevos sonidos y nuevas posibilidades.

Es, de los tres, el disco más variado de la banda. Aquí encontramos sonidos de la NWOBHM, episodios más melódicos y cercanos al AOR de lo que nunca había hecho la banda y un destacado trabajo de teclados que tampoco se había oído en los discos anteriores.

Junto a temas potentes, cercanos como he dicho antes a la NWOBHM como el incial “Same ol’ song” o “Call it Love”, nos encontramos con cortes más melódicos como las preciosas baladas “The Hammer of the Gods” y  “I Can’t Wait”, junto a piezas de puro hard rock setentero como “Standing on Top” o “Wall of Sounds”.

Destacan muchísimo los estribillos tremendamente pegadizos de muchas de las 11 canciones que contiene el disco y también esas melodías fáciles de recordar y que dejan una profunda impresión en el oyente. La producción también ha cambiado sustancialmente respecto a los discos anteriores y eso se nota especialmente en la guitarra, donde podemos oír matices y técnicas que no aparecían anteriormente y también en el resultado del sonido de la banda en general, sustancialmente distinto del de los otros dos trabajos, a todo eso le añadiremos que con la voz de Jack en lugar de la de David la banda suena completamente distinto dando otra dimensión al conjunto.

En definitiva, Sainted Sinners se ha convertido en una banda nueva y este lo podríamos considerar el disco debut de la nueva etapa; lo mejor de lo realizado hasta ahora de una banda que nos deparará, seguro, grandes cosas en el futuro.

Sainted Sinners - "Unlocked & Reloaded" tracklist:

Same ol’ Song
Standing on Top
Early Light of Day
40 Years
The Hammer of the Gods
Free to Be
I can’t Waite
Stone Cold Sober
Call it Love
Wall of Sound
Farewell to Kings

Con ocasión de este nuevo álbum, hemos aprovechado para conversar con Frank Pané que nos cuenta más detalles del disco. Puedes escuchar la entrevista, en este enlace.

 

Evil-Impulse-The-BrotherhoodLa banda de Groove Metal, Evil Impulse, procedente de Ciudad Real, vuelve a la carga con un cuarto trabajo que, bajo el título “The Brotherhood”, pone sobre la mesa el excelente estado del metal nacional. Tras su EP de presentación “Flames From The Ground” y los dos álbumes “Who´s Gonna Kill Who” y "The Unbroken Ritual", Evil Impulse vuelven con un proyecto que muestra la evolución de una banda con una gran trayectoria de trabajo y una propuesta brutal.

“The Brotherhood” es un trabajo completamente autoeditado, compuesto y arreglado en pleno confinamiento y mezclado en Cerdeña (Italia); grabado, además, en Ciudad Real en el estudio de Pedro T. Nieto, bajista de Evil Impulse.

Comenzamos este “The Brotherhood” con “Son Of The Devil”, para abrir boca con una impresionante descarga de energía que define a la perfección lo que vamos a encontrar en este trabajo: un registro vocal asombroso, riffs de muerte y unos potentes bajo y batería.

Llega “Chained Shadow”, que sin descanso es la manera de definirlo porque es un tema sólido, duro y brutal; como definía el álbum en los primeros párrafos; todo se vuelve más agresivo y potente con las propias variantes más melódicas que nos deja la voz en ciertos momentos pero alucino con la guitarra. La base musical se mantiene fuerte y contundente en todo momento dejando el listón muy alto. Y la parte vocal más gutural es impresionante, como fiel fan de este tipo de voz no puedo pasarlo.

Y como un buen golpe de boxeo llega “Uppercut” que no va a rebajar el ritmo de intensidad, seguro. Sigue en la línea cañera y malota de la banda, que se completa con un feroz homenaje al apoyo que para una banda supone su legión de seguidores o su “Brotherhood Of Hell”, que llega como un canto de guerra mantener en alto lo mejor del panorama del metal nacional, con buenos riffs y golpes de batería.

Feroz como es la línea del grupo llega “Lone Wolf”, la mejor imagen e icono de Evil Impulse, el lobo, desde su portada hasta la manada que conforman la banda y sus seguidores, quizás el concepto que nos quieren hacer llegar. Y cuando parecía que “The Brotherhood” se iba a relajar porque es difícil mantener este ritmo brutal y el nivel de ejecución a esta potencia, no, llegan “Even Flow” (cover de Pearl Jam) y “Everlasting”, que mantienen el sonido duro y sólido de Evil Impulse, con su juego de voces, sus golpes de batería y bajo y unos riffs de vértigo, portentosos.

Como valoración, buena mezcla de voces, instrumentación al límite, buena base Groove para no perder las raíces con un componente quizás más melódico que el trabajo anterior, la banda está evolucionando a mejor. Muy buen sonido y producción y, como seña de identidad, un sonido americano sin lo comercial, con la potencia y la base europea, toda una declaración de intenciones: seguimos aquí fuertes y feroces. Hay que escucharlo.

Tracklist:

Son Of The Devil.

Chained Shadow.

Uppercut.

BrotherhoodOfHell

Lone Wolf.

Even Flow.

Everlasting.

Line up:

Antonio Ramírez- Voz.
Víctor G. Nieto- Guitarra.
Daniel Zolyniak- Guitarra.
Pedro T. Nieto- Bajo.
Javier Suárez- Batería.

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